LA ALCANCIA DEL ARTESANO

VUELO INCONCLUSO PARA UN OBITUARIO TARDÍO.

2012-01-31T12:22:00.005-05:00

Magdiel Aspillaga.

Me acabo de enterar que Theo Angelopoulos ha muerto, sucedió hace seis días atrás, por qué tan tarde la noticia, y entonces trato de repasar todas mis acciones a lo largo de la semana, el tiempo volvió a hacer de las suyas, esta vez con alguien que lo miró de frente en alguna ocasión y el tiempo también lo encaró y se encararon y ambos tuvieron que dispararse de pecho a pecho y hombro a hombro para después caer unidos infinitamente.
Dicen los diarios que estaba cruzando un túnel medio oscuro prohibido para los peatones y que una motocicleta lo atrapó a toda velocidad provocándole una hemorragia interna que más tarde le produciría la muerte. El conductor, un policía que viajaba tránquilo, no imaginó lo que le iba a suceder justo en el momento en que decidió internarse en el oscuro túnel, internarse en un túnel para encontrarse al cineasta cruzando a media luz, el choque…..el encuentro final del que tanto habló el propio Angelopoulos en sus películas, el tiempo, lo instantáneo de la inmovilidad y la muerte, el final y el volver a nacer, principio y fin de todo lo hablado y todo lo repetido, Angelopoulos moría a la misma vez que el mundo seguía olvidando y como dijera alguien que también admiro …puedo perdonar todo menos el olvido, olvido tu olvido y rememoro tu presencia….

La primera película de Angelopoulos que vi fue “La mirada de Ulises” y fueron muchas las claves no solo para entender el cine que en aquellos años comenzaba a estudiar, el cine y yo empezamos a vernos en aquella sala con “La mirada de Ulises” que casualmente trata de un cineasta que regresa a su tierra siguiéndole los pasos a la primera película rodada en Grecia, a su vez es una revisión de la historia de los Balcanes a través de este viaje , la Odisea, el eterno regreso, Ulises y el afán de volver a esa tierra a la que pertenece, (me es un tanto raro esta muerte de este lado) nuevamente el cruento mirar a la distancia de tu origen y saber sin pensarlo dos veces que solo perteneces a la región más cercana posible del cordón umbilical, a la esencia imantada del feto y el origen. Mi preferida “Paisaje en la niebla” el viaje otra vez como símil de la vida a través de una niña y su pequeño hermanito, una especie de cuento infantil para dormir, demasiado descarnado, directo y a la vez poético como toda su obra.

Realmente tengo ganas de decir algo, algo que suena a pésame y a la misma vez no, a nota final o obituario, de esos grises que aparecen en la parte olvidada de los periódicos, ayer vi “The rum diary” y me acuerdo de Hunter Thompson y me dan ganas de tomarme un barril entero de whisky y caer, soplar sobre la nieve inexistente de mi barrio o sentarme a mirar el horizonte tranquilo, el horizonte que es una pantalla, la pantalla que es una película, una película que es la vida, la vida que es triste y alegre, la alegría y la tristeza que nos llevan a un universo onírico e impoluto, donde las aguas son más salobres, donde esperamos por la eternidad durmiendo como si estuviéramos despertando.

MUERE THEO ANGELOPOULOS.

2012-01-31T11:24:00.003-05:00

TOMADO DE "ABC". CINE
Muere Theo Angelopoulos, un cineasta fiel a su estilo
El director de cine griego falleció al ser atropellado por una motocicleta mientras paseaba por Atenas
BEGOÑA CASTIELLA / CORRESPONSAL EN ATENAS
Día 25/01/2012 - 12.06h

Toda Grecia se ha despertado esta mañana estremecida con la noticia de la muerte del cineasta Theo (Thódoros) Angelopulos. Fue víctima de un accidente de circulación a las siete de la tarde de ayer, tras ser atropellado por una moto mientras cruzaba de forma imprudente una vía situada en un túnel de circunvalación del barrio de Drapetsona (cerca de Atenas).

En esa vía se iban a filmar planos horas mas tarde, con permiso municipal, presencia de la policía de tráfico y habiéndose cortado la circulación. Pero Angelopulos, trabajador infatigable a pesar de sus 77 años y conocido por su carácter detallista y perfeccionista, prefirió volver al lugar del rodaje él solo. Un motociclista que trabaja como policía y estaba fuera de servicio le atropelló cuando el cineasta atravesaba la carretera en el túnel, sin casi luz, algo prohibido para los peatones.

Con graves heridas, el cineasta griego fue trasladado a un hospital privado cercano en el barrio de Faliro, dónde falleció poco después debido a una hemorragia interna. El Ministro de Cultura, Pávlos Yerulános, acaba de declarar con tristeza: «Uno de los más importantes creadores del séptimo arte, un embajador extraordinario de la cultura griega, ha fallecido inesperadamente ayer noche. El cine de Thódoros Angelópulos es un punto de referencia para quienes aman el cine en el mundo entero y para cada persona que busca en el Arte estímulos para pensar y sentir».

Todas las personalidades políticas y del mundo de la cultura en Grecia y Chipre han expresado su pesar ante esta muerte inesperada, destacando la calidad de sus obras y el que se trataba de un griego reconocido por el resto del mundo.

Su última película
Angelopulos estaba rodando la que anunció como su última película, «El otro mar», parte de su triología sobre la crisis económica que atraviesa Grecia, cuyo guión había escrito él mismo junto con los escritores Rea Galanáki y Pétros Markaris (conocido en el mundo entero por sus novelas policiacas que protagoniza el inspector Jarítos ).

Angelopoulos iba para abogado, llegó a licenciarse en Derecho por la Universidad de Atenas, pero acabó ejerciendo la crítica cinematográfica hasta dar el salto definitivo a la dirección a finales de los 60.

Tras acabar Derecho se marchó a Francia, matriculándose en la Sorbona y luego en la Escuela de Cine de París. En la capital gala hizo toda clase de trabajos para ganarse la vida. Sus estudios cinematográficos terminaron bruscamente al final del primer curso cuando es expulsado por inconformista en 1963. De vuelta a Grecia comienza su carrera de cineasta. Rodó «Negro y Blanco» y «Forminx Story», que dejó inconclusas por falta de presupuesto. Durante esos años trabajó como crítico de cine para el periódico izquierdista «Dimokratiki Allaghi», hasta que la Dictadura de los Coroneles lo cerró en 1967.

La obra de Angelopoulos no deja indeferente, provocando filias y fobias. Algunos le califican de pedante y sobrevalorado, mientras que otros críticos le consideran un autor interesante con una reflexiva plasmación narrativa, de largos planos secuencia y gusto por la abstracción. Él fue siempre fiel a su estilo.

Entre sus principales películas destacan «Paisaje en la Niebla» (1988), León de Plata en Venecia; «La eternidad y un día» (1998), Palma de Oro en Cannes; «La mirada de Ulises» (1994), premios del Jurado y de la Crítica en Cannes. Otros títulos destacados son «La reconstrucción» (1970) o la trilogía compuesta por «Días del 36» (1972), «El viaje de los comediantes»» (1975) y «Los cazadores», logrando el reconocimiento en Berlín y Cannes las dos primeras; «Alejandro Magno» (1980), premio del festival de Venecia.

Su último proyecto era una trilogía histórica sobre la Grecia del siglo XX, iniciada con «Eleni» (2004), y que deja inacabada.

AQUÍ SOBRE SU MUERTE EN EL NY TIMES.

JEAN LUC GODARD DONA EN DEFENSA DE PIRATA DE MP3: "NO EXISTE LA PROPIEDAD INTELECTUAL".

2012-01-31T08:43:00.006-05:00

TOMADO DE "PIJAMA SURF'.

Pocas personas conocen el arte de robar para crear como Godard; el director de cine dona en defensa de James Climent, acusado de descargar más de 13 mil MP3 por internet.
Uno de los más grandes directores de la historia del cine, Jean Luc Godard, alguna vez dijo: “No es de dónde tomas las cosas, es a dónde las llevas”. Esto podría aplicarse a los derechos de autor y a la remediatización, un arte dominado por el director de un film como Alphaville donde la voz de Borges, de Eluard, la visión de Orwell y las películas de gangsters se entretejen invisiblemente a la narrativa de las más poética ciencia ficción negra.

Godard ha demostrado que hace lo que dice, en este caso donando mil euros a la defensa legal de James Climent, un ciudadano francés multado 20 mil euros por descargar 13, 788 audios MP3.
Godard leyó una nota sobre los problemas de BitTorrent de Climent en la publicación Liberation y decidió ayudarlo. Cuando por primera vez fue contactado por el padrino de la nueva ola francesa, Climent pensó que se trataba de una mala broma. Después de la recibir la ayuda, Climent publicó un blog post en agradecimiento con título “”God(ard) bless us.” AQUÍ POST.

Al respecto Godard dijo: “Estoy en contra del Hadopi (la ley francesa de coyright en internet), obviamente. La propiedad intelectual no existe, estoy en contra de la herencia (de obras), por ejemplo. Los hijos de un artista podrían beneficiarse de los derechos de autor del trabajo de sus padres hasta que cumplen la mayoría de edad… Pero después, no me queda claro porque los hijos de Ravel deben de obtener ganancias del Bolero”.

Les enfants terribles: Gaspar Noé versus Harmony Korine.

2012-01-31T06:00:00.000-05:00

AQUÍ ENTREVISTA A LOS REALIZADORES PARA BFI.

OFICINA: PIER PAOLO PASOLINI SOBRE "SALÓ...".

2012-01-30T06:00:00.000-05:00

PARANOID PARK.

2012-01-27T16:16:00.006-05:00

Para Keyla.

Estoy escuchando este TEMA, no logro precisar el idioma exacto, solo acordes flotantes que me hacen sentir menos ingrávido y menos terrestre, ella me lo envío por la mañana con algo lindo como texto, ella soy yo y yo ella y a veces me miro y me veo en ella y le dije que no iba a escribirle nada aquí, que si acaso un cuento sobre nosotros en un libro de cuentos de realismo sucio. Pero la pienso junto a otras muchas cosas ella aparece como en un flash-back mal editado inconexa pero precisa, borrosa pero presente y siempre y únicamente necesaria. La semana caminó rápida muy rápida, tremendamente rápida, furiosa niña que me dice viejo y me hace recordarme adolescente, tiempo que persigna mi testamento que no existe y como dijera el poeta …el sol nos inunda con su mierda reluciente… y después toma del ron de Aguacate con Nietzsche y lanza botellas al aire porque (mi amor) en lo que tú y yo nos miramos sucede una era y otra era y los mayas vaticinan cosas que queremos, deseamos que algo suceda, un maremoto, un terremoto, un ciclón, el fin del mundo, algo para sentir que seguimos vivos (y no eres tú mi amor, son los demás) los demás la humanidad entera que odia la guerra pero disfruta de hundimientos advierte de peligros en recuerdos y te mira, la humanidad te mira en lo que yo callo otorgo y espero por la prometida ingravidez y por la nieve, por ambas juntas, y tu mano que siempre viene en cámara lenta a mi mejilla, así de bello y verdadero es el amor, se siente cálido cercano en el estómago y en el alma y frío y triste como en el viejo proyector de un pueblo de campo, sobretodo cuando se ama de verdad.
Anoche terminé de ver “Days of heaven” de Terence Malick que ahora está nominado al Oscar como mejor película por su bella y profunda “The three of life”, “Days of heaven” del 78, con el duelo actoral de un joven Richard Gere y otro también joven Sam Shepard y la fotografía de Nestor Almendros. Una bella pieza de lirismo y poesía en extremo, mucho, el cine parece desbordarse y trascender a esa otra materia que se llama magia, misterio algo que no se explica. Terminarla y quedarme tranquilo no fue fácil, me tomó minutos bastante largos de los que dudé fueran minutos tampoco fueron horas posiblemente una nueva medida de tiempo presente entre ambas, en ese intervalo puse otro disco “Paranoid park” de Gus van Sant, pensé dejarla puesta, casi siempre hago eso como cuando se deja cargada un arma para dispararla en salva al otro día. Solamente la primera secuencia fue suficiente para que no me separara de ella hasta que terminó y con su final menos sueño y menos medida de tiempo que controlar.

Si no me bastaba ya con “Days of heaven”, “Paranoid park” fue el tiro de gracia (para seguir en la línea de las armas a propósito de Hunter Thompson de quien leí algo el otro día). No voy a hablar mucho de lo que trata “Paranoid park” solo de las cosas que me afectan de la película a otros niveles, niveles a los que indudablemente lleva y quiere llevar la misma. En la línea de “Gerry”, “Elephant” y “Last days” “Paranoid park” es una pieza cargada del tiempo particular que es ya un estilo en Gus Van Sant y los temas que mucho han perseguido su obra, me parecía por momentos estar viendo su opera prima “Mala noche” o el clásico “My own private Idaho”, Gus Van Sant capta el verdadero sentido de la angustia, es como un espejo de una angustia actual, una angustia que trasciende el marco de los EUA y se hace universal. “Paranoid park” trata de entender la vida, y el símbolo del skater como giro ingravidez o salida a algo que nos tocó desde el punto de vista físico y natural asumir, tratar de entender la vida desde la etapa de la adolescencia marco entre dos momentos definitorios, lo que alguien dijo que era un niño y lo que alguien dijo que era un adulto…vivir, vivir que también alguien dijo un día vivir por la patria es morir y alguien lo repitió y alguien más dijo vivir por comer o comer para vivir o vivir para amar o solo el amor nos salva de la muerte, y solo de la muerte nos salvaremos amando, y si he mezclado frases inconexas sacadas de graffitis y recuerdos de infancia es porque la película (ambas) me hicieron viajar a un extraño estado de delirio, angustia y placer, el placer de estar vivo y amar, el placer de poder ver y compartir (como otro artista también dijo) ser parte de la creación que otro ser humano comparte contigo no importa la hora y mucho menos la zona geográfica en que te encuentras. “Days of heaven’ y “Paranoid park” demuestran (si algo pretenden demostrar más allá de expresar y compartir) que los humanos perdemos tiempo heredando preceptos, motivos y normas que cumpliéndolas o no nos hacemos mas terribles en el afán por conservarlas. Sin fijarnos en la belleza alucinante del universo que nos rodea.

No sé ni que hora serán, por las cortinas entra la noche y se pierde el sol, otra tarde va a morir y parece que nadie lo lamenta, no basta su sangre tiñendo de rojo naranja la caída del sol, otra cosa que se llama noche aparece y casi te encuentro, falta poco para verte, espero que sea el mismo encuentro de siempre, no me gustan los cambios, amo lo establecido y soy hijo de lo establecido, de ahí mi conflicto de mudarme mucho o vivir lejos de mis padres o no estar en donde nací o no saber por momentos exactamente de donde soy o donde acabo de amanecer, sería algo así como que levantas tu mirada, nuevamente vuelve a estar en cámara lenta, es mi mano ahora la que entra entre tu pelo rubio como tratando de imitar a un actor italiano de la postguerra, suceden muchos naufragios por día, incluidos los míos, restos que dejó la marea en estas costas, somos soy un pedazo de algo que quedó a la orilla, yo vengo de allá aunque me crea que nací aquí, pero te extraño que culpa tengo de eso, soñar y volar sin patineta, transcurrir lento y alegre tratando de jugarle cabeza a la semana, volviendo a este tiempo entre minuto y hora en que te pienso.

M. Aspillaga

Ilhaam Project - Les Enfants du Soleil

OFICINA/GENIALIDAD: EL SEXTO.

2012-01-27T06:00:00.000-05:00

AQUÍ BLOG DE "EL SEXTO".

ANDREI TARKOVSKI- ANDREI RUBLEV.

2012-01-26T06:00:00.001-05:00

HENLEY.

2012-01-25T06:00:00.001-05:00

WEBSITE HERE.

THINKINGXXX-BOOK.

2012-01-24T06:00:00.000-05:00

BOOK HERE

OFICINA: PASOLINI Y EL GENOCIDIO DE UNA CULTURA.

2012-01-22T06:00:00.000-05:00

CAMBIO DE LUZ.

2012-01-20T06:00:00.003-05:00

Magdiel Aspillaga.

Sin dudas “Biutiful” es una de la películas que más me ha golpeado últimamente, demasiado diría yo. Todo sucede al unísono, yo escribo, pasa un avión, recuerdo “Pedro Páramo” de Rulfo, las calles me parecen coloridas y a veces frecuentemente llueve y ahora frío, mucho frío, callado y celoso invierno que se funde con esa tarde que lleva el color sublime y respetuoso de la nostalgia o de algo que denominaron nostalgia y que no se explica sino como un respeto breve hacia los que no están, hacia los que estuvieron, de los que están sin estar entre esas dos fronteras exactas que conforman la noche y el día. En algún momento escribí algo que reproducía un fragmento de “Amarcord” de Fellini. Un anciano borracho se pierde entre la profunda niebla de su pueblo sin lograr encontrar la entrada a su casa en el regreso. Está turbado y teme lo peor, estar muerto y no haberlo notado todavía. A lo lejos se acerca un coche conducido por un misterioso personaje (un carruaje que es como el de “Nosferatu” de Morneau o el del “Drácula” de Copolla, de donde parece que el cochero va a estirar una mano grande llena de sombras y levantar al menudo anciano por el aire). El enigmático cochero se acerca a el anciano que está expectante ya sin borrachera alguna, el cochero le pregunta el que hace allí a esas horas de la madrugada y el anciano le cuenta con miedo que no encuentra la entrada a su casa, el cochero amablemente le indica entre la niebla con su mano (que no era larga) que la misma se encuentra a sus espaldas. Genialidad de Fellini y bella metáfora-símil-construcción o interpretación de un mundo que no por real deja de ser mágico. “Biutiful” muestra a un hombre que busca la vida en el momento en que la está perdiendo, quizás la película más mexicana de Iñarritu, la más “Pedro Páramo” de todas, ver a tu padre joven junto a ti anciano, recordar una emisora fantasma que solo transmitía el sonido de las olas del mar, no precisar quienes somos los vivos y quienes los que han muerto. Caminar y preguntar por alguien que ha pasado junto a tu baño, en la callada madrugada en que todo se volvió a detener.

THE RAVEN. TRAILER.

2012-01-19T15:05:00.001-05:00

"ORO NEGRO": Jean-Jacques Annaud.

2012-01-19T10:51:00.002-05:00

AQUÍ EN "EL PAÍS". El director francés, maestro del género histórico, estuvo rodando en Túnez durante la revolución de los jazmines, que supuso el inicio de la primavera árabe.

DIOSAS AMERICANAS: JENNA JAMESON.

2012-01-18T06:00:00.001-05:00

OFICINA: GLAUBER ROCHA-TV.

2012-01-16T06:00:00.000-05:00

ÁLBUM DE FOTOS.

2012-01-14T06:00:00.000-05:00

Griselda Ortiz

El primer año. Ahí estaba yo, llorando porque no me quería retratar.
El segundo, el tercero. Toda la familia reunida alrededor de la mesa del comedor cantando. El cuarto cumpleaños me lo celebraron en un parque. Me retrataron con mi primo soplando las velitas. Mi papá y mi mamá, juntos, sonrientes. En el quinto mi papá no está en las fotos y en mis seis años tampoco está mi primo, ni mi abuela ni casi nadie. Después de los seis, no hay más fotos. No sé como era a los diez, a los catorce. Tampoco recuerdo ningún otro cumpleaños. Hay un gran espacio en blanco, un vacío. Sólo lo que quedó en mi memoria suple la falta de material fotográfico. Pero eso nadie puede verlo. Le cuento a mi hija lo feo que era a los 14 y se ríe, pero sólo yo me veo flaco como un güin, con las orejas paradas, mirando con cara de bobo a una cámara que no existe. Las fotos que no me tiré con mi madre, con mis amiguitos de la infancia, con la gente del pre, las fotos de mis graduaciones, las fotos de mis novias son páginas en blanco del álbum de mi vida, que un día, más temprano que tarde, se irán conmigo para siempre. Entonces será como si nunca hubiera existido.

SHOWSTUDIO: Editing Kate.

2012-01-13T06:00:00.001-05:00

GALERY HERE

and

FILM HERE

"CARNAGE" DE ROMAN POLANSKI.

2012-01-11T06:00:00.000-05:00

AQUÍ REVIEW EN EL NY TIMES SOBRE LA ÚLTIMA CINTA DE ROMAN POLANSKI.

Capítulo 34. UNA NOCHE PERFECTA.

2012-01-10T06:00:00.003-05:00

Ana Rosa Valdez

No hay excusas cuando alguien quiere marcharse. Quienes buscan o inventan las explicaciones son los que se quedan, el que parte sólo necesita un ticket de ida y seiscientos dólares en efectivo, un mapa quizás, y algo donde guardar un libro, una bufanda y un perfume ligero. Cuando Marla entró en el dormitorio, a Jeannie no le faltaba el bolso perfecto -completamente amarillo de Afolfo Dominguez- y los zapatos -unos azules de Ana Sui- en la mano. Tampoco estaba ausente el perfume, algo de Lolita como de costumbre.

- Otra vez... - Marla suspiró.
- Debo buscar esos documentos, en algún lugar de los estantes, ay! tantos estantes! - Jeannie parecía preocupada. Su angustia desapareció sin dar lugar a la sospecha, y continuó librando una batalla descomunal contra sus pestañas, había que rizarlas de cualquier manera.
- No deberías... - A Marla la inquietud no le sentaba bien, se ponía tensa y torpe, extremadamente torpe.
- Los zapatos me van bien, quizás deberías quedarte con los otros. Deberías tenerlos todos, la verdad. Ah! Pero tus pies pequeños... - Sonrió, quizás por última vez en aquella tarde.

Marla continuó observando, creando excusas, casi redactándolas en el libro mágico de su cabeza. Jeannie no dejaba de moverse, buscaba cosas a tientas, al azar. Mirándose en el espejo de un estuche dorado, Marla lucía como la chica que aparece en la portada de la Harper´s Bazaar de agosto de 1902. Con esa exactitud, pero sin las flores en el cabello. El cabello de Marla siempre estaba corto y era imposible adornarlo siquiera con vinchas o con diademas de colores. Por ello, a Jeannie le parecía justo colocarlas todas en su cabello naranja, a pesar de las burlas de los empleados del almacén y los transeúntes en la estación del autobus.

Jeannie se marcha por fin, sacude sus zapatos y coge el maldito bolso amarillo. Dice que debe estudiar un asunto importante en la biblioteca de la Universidad de Miskatonik; por supuesto Marla no puede concebir tal desfachatez, no sólo porque dicha biblioteca sea en realidad una justificación insensata, sino porque a Jeannie el olor de los libros viejos le producen alergias. Sin embargo, y contra cualquier reclamo de última hora, ella se marcha, huye otra vez, y Marla no puede sino quedarse frente al pequeño espejo del estuche, mirando sus ojos sin lágrimas y escuchando el silencio que comienza a atraparla por los pies.

***

En la última página del diario dominical, bajo la sombra de unos abedules artificiales en Second Life, en la acera derruida de una calle de Bagdad, Marla espera con los tobillos cruzados. Lleva un par de minutos o un par de horas, el tiempo no es importante, pero las manos ya comienzan a sudarle y es incómodo entre tanta humedad que sofoca el ambiente. Diminutos insectos han decidido agobiar aún más sus piernas cansadas, no tiene repelente ni una manta con qué cubrir más allá de sus hombros desnudos. El día amenaza con aparecerse sin que haya alguna respuesta. En su cabeza, las ideas chocan entre sí como espíritus que vagan por este mundo. Piensa en cómo han sucedido las cosas, han pasado años, muchos años desde que la tuvo en sus brazos. Y le cuesta estar en donde está ahora. Haberse quedado así, con la impresión de que uno de estos día toda la red colapsará, como un vaticinio del demonio, y se llevará consigo todas las imágenes y las letras, no sólo las de Jeannie sino las de todas las personas que confiaron en ella. Ese día -piensa- no quedará nada, se tendrá que expectar el vacío, la gente se mirará al espejo y alguien dirá que hemos muerto -otra vez.

Si Marla pudiera verla por última vez, sería en una noche sin estrellas. ¿Sería esa noche acaso una noche perfecta?

LOS LUNES DE SIGNOS: LA YEGUA DE ALBERTO MOYA.

2012-01-09T06:00:00.002-05:00

Por René Batista Moreno. Publicado en "Signos 49", 2004

La yegua que está pa’ uno
no hay caballo que la «coja».
TORIBIO GARAÑÓN

Aquí se cuenta la historia de las familias Moya y Garañón (Hernández, si la llamamos por su verdadero apellido). La primera se jactaba de que sus yeguas eran invulnerables a los ataques sexuales de personas y animales, mientras la otra ejercía el bestialismo (1) de manera deportiva. Pero no fue hasta 1955 cuando dos descendientes de estas —Alberto y Juan— se vieron involucrados en una disputa que terminaría con el prestigio de que gozaron los Moya durante tantos años.

Yo vivía en la zona donde se produjo el encuentro, y conocí el lugar exacto. La familia Garañón radicaba en Aguas Negras, mientras los otros vivían en la zona del Pesquero. Conocí a Armando Pérez, joven de catorce o quince años por entonces, quien junto a sus amigos Burucha y Chacumbele promovió la disputa. Conocí al anciano Cheo Crica, muy amigo de mi abuelo, y también a Felino Torres, un fabulador con un estilo muy rico al contar historias. Felino decía haber conocido a estas familias desde hacía mucho, y narraba las andanzas de Toribio, Rodolfo y Tomás Garañón, los tres más grandes «cogedores» de yeguas de todos los tiempos, según él.

A Felino Torres y a Armando Pérez los entrevisté en junio de 1989. Felino murió poco después, y Armando aún vive. Lo que se cuenta aquí ocurrió en realidad, aunque los testimonios han sido enriquecidos por la imaginación y el humor de sus narradores.

ARMANDO PÉREZ
Alberto Moya tenía una yegua que no se dejaba arrimar a la gente. Pateaba, mordía. Sólo Alberto podía acercársele y montarla. Él se vanagloriaba de que a los Moya nunca les habían «cogido» una de sus yeguas, ni personas ni caballos: ellas nacían y morían vírgenes, ¡lo que se perdieron esas yeguas, pobrecitas!
Nosotros estábamos locos por «cogerla»; pero era muy peligroso. Aquí había unos cuantos profesionales, con muy buen «currículum», sin embargo no se atrevían. Una vez Daniel Moreno lo intentó, y la yegua le partió cuatro costillas. Los «cogedores» de aquí no podíamos hacer nada y nos sentíamos muy molestos. Pero un día, en una fiesta que se dio en El Mamey, hablé con Cheo Crica del tema. Él tenía cerca de noventa años y me dijo que conocía desde niño a la familia Moya, y que eso venía desde más atrás, que era una tradición, y me aconsejó que viera a Juan Garañón, en Aguas Negras, que Juan podía resolver el problema, aunque pensaba que ya se había retirado de esos menesteres.

(Monumento ecuestre a Martínez Campos quién abandonó la isla por la vergüenza de lo sucedido)

FELINO TORRES
La familia de los Garañones era terrible: los mejores «cogedores» de yeguas de todos los tiempos, con fama sobrada, reputación, inteligencia, eran muy creativos y valientes. ¡Qué valor tenían esos hombres! ¡Cómo sacrificaron sus vidas! Porque,¿qué mujer se iba a casar con un «cogedor» de yeguas? No tuvieron un hogar, no tuvieron hijos, ¡qué sacrificio, mi madre, qué sacrificio! Para ellos todas las yeguas eran vulnerables: no había barreras ni muros de contención. Bueno, mire, Toribio Garañón era capitán mambí, y tres días antes del Pacto del Zanjón, le templó la yegua al general Martínez Campos, ¡nada menos que al Capitán General de la Isla! Fue un triunfo sonado para las armas mambisas, porque Martínez Campos se sintió tan humillado que renunció a su cargo y se fue del país. Pero hay más: ocurrió una tarde, cuando la Guerra del 95, a Toribio lo agarraron coqueteando con la yegua de Valeriano Weyler, y este lo mandó a fusilar. Y se dio el caso, en el siglo XX de Tomás Garañón, El Demoledor. Ese viajó por toda Cuba «cogiendo» yeguas: estuvo en Baracoa invitado por Esther La Rusa (2), en Isla de Pinos, en San Juan y Martínez (Pinar del Río). Allí, para cerrar con broche de oro, le templó un mulo a Joaquín Correoso, un isleño de muy malas pulgas que vivía en el lugar. Pasó por La Habana, Matanzas,Camagüey... Fue una cruzada contra las yeguas vanidosas y engreídas que creían que nadie podía «cogerlas».

Pero dentro de los Garañones estaba Rodolfo Garañón, le decían «El Violento». Vivía en el Monte Cundiamor, en una cabaña. No trataba a la gente. Vivía en un ranchito de piso de tierra. Una vez lo vi y me escondí, porque metía miedo, tenía más de seis pies de estatura, unas botas que le llegaban más allá de las rodillas, un machete enorme, un cuchillo, un hacha. Fumaba una pipa de cañabrava y tenía puesto un sombrero roto y a la diabla. ¡Ah!, y tenía una barba muy espesa. Bueno, ese hombre, ¿qué hacía? Pues bien, era «cogedor» de yeguas salvajes, siempre estaba metido en las cayerías: en Cayo Romano, donde había alrededor, por aquellos tiempos, de tres mil y pico de yeguas salvajes; en los Ensenachos; en Cayo Francés; en Cayo Cruz; en Cayo Fragoso... Nunca «cogió» una yegua de la isla. En el año 1956 salió para Cayo Sal, una propiedad inglesa, y no regresó más, aunque se tejió la leyenda de que tenía una herrería en Londres.

Pero hay más de los Garañones, porque no sé si usted sabía que fueron criados con leche de yegua. Por eso ellos decían que las yeguas eran sus segundas madres. Y qué respetuosos eran con esos animales, ¡qué sentido del respeto, del honor! Un día a Julio Guayacón se le ocurrió decir en la tienda del Pesquero que todas las yeguas eran putas. ¡Y pa’ qué fue aquello! Tito Garañón, que lo oyó, le dio tres trompadas, lo sacó del lugar, lo llevó a donde estaba amarrada la yegua del negro Candela, lo hizo arrodillar, y le dijo: «¡Pide perdón, degenera’o, a esa yegua y a todas las yeguas de Las Villas!»

Sí, porque los Garañones eran regionalistas y pico, ¿qué les importaban a ellos las yeguas de otras provincias? Y Julio pidió perdón y dijo que estaba muy arrepentido. Pero, ¿qué pasó después?, bueno, que las yeguas se enteraron, no sé cómo ocurrió, pero se enteraron. Y entonces cuando pasaban cerca de Tito o Tito pasaba cerca de ellas, comenzaban a caminar con un trotecito y levantaban el rabo, y lo mantenían en alto y seguían con el trotecito. Y muchos decían que eso era señal de agradecimiento por lo que él había hecho: defender el honor de las yeguas.

ARMANDO PÉREZ
Fuimos a Aguas Negras. Llegamos a casa de Juan Garañón, y un anciano nos mandó a entrar. En las paredes del comedor había fotos de las yeguas más famosas del mundo, y reconocí a la del príncipe Alberto, la de Alfonso XII, la del emperador Mussolini, y la más famosa de todas: la yegua de Tom Mix. Preguntamos por Juan, y el viejito nos dijo que estaba en la arboleda.

Y sí, allí estaba, sentado bajo un dagame y fumando con una pipa. Era un hombre como de cincuenta años de edad, canoso, flaco, y se le veía fuerte.
Le contamos por qué fuimos a verlo, y quedó pensativo, dio dos chupadas a su pipa, y nos dijo:
—Esos Moyas son unos fatos; yo nunca les he hecho caso, pero parece que hay que darles una buena lección. Este es un encuentro que puede ser muy profesional, bueno, eso depende del grado de preparación que tenga la yegua, y lo voy a conocer desde aquí. Díganme de qué color es, cuál es su tamaño, cómo tiene el rabo, las crines, las ancas, dónde la amarran: en lugares llanos o de mucha vegetación, o si la esconden; si es de trote o de marcha, cuántas veces a la semana la bañan, y si hay un lugar elevado desde donde observarla.

(Waleriano Weyler ofendido usó el fusilamiento como escarmiento)

Le dije que era dorada, pequeña, de rabo y crines tusados, de ancas cortas y gordas, que la amarraban en el llano, que la bañaban tres veces a la semana, y que había una lomita, a unos cien metros, de donde se podía observar. Y nos dijo:

—Miren, muchachos, ustedes no conocen nada de esto. Ustedes son «cogedores» nuevos, con muy poca experiencia; pero esa yegua está muy bien preparada, y el terreno ha sido escogido para que todo el que se le acerque sea detectado. Miren: es dorada, es malo: cuando el sol le da, encandila la vista; bajita, es malo: pierdes el control sobre ella y te saca un par de patadas de donde menos lo esperas; las crines y el rabo tusados, es malo, malísimo: no tiene punto de agarre, no puedes sujetarte; ancas cortas y gordas: eso se prepara, se le amarra una cincha de guamá cuando es una potrica y con el tiempo se logran esos resultados. Tampoco hay donde agarrarla, donde sujetarse y eso obliga a «una cogida en el aire» y, para la edad que tengo, no sé si resulte. El baño es una manera de tratar de quitarle sus olores naturales, de que la yegua se te pierda en las noches, porque a veces un buen «cogedor», en las noches oscuras, tiene que trabajar con el olfato, a base de olfato nada más. Si es de trote, es fuerte, las de trote se resisten con más violencia... Esa yegua está muy bien preparada, no va a resultar fácil. Y yo le dije:
—Hay algo más.
Y me preguntó:
—¿Qué cosa?
Y yo le dije:
—Que todas las semanas Alberto Moya le afila los cascos con una lima. Pero hay más: la yegua tiene los cascos de canda’o y es patizamba cerrada. Entonces dijo:
—Ah, ¡ese cabrón de Alberto Moya! Voy a ir, coño, acepto el reto, vengan a la noche, a las nueve, voy a prepararme ahora mismo. Y no se lo digan a nadie, nadie puede saberlo, solo ustedes y yo.
Salimos de allí muy contentos, el corazón nos decía que ese hombre sí se la templaba, y había que apoyarlo en todo. Nos llegamos a la elevación y construimos un varaentierra para que pernoctara. Así lo apartábamos de los demás, cosa que él quería, y manteníamos el secreto. A las once de la noche llegó, con una maleta grande, acompañado de Burucha, quien había ido a buscarlo.
—¿Dónde está la yegua? —preguntó.
—Allá abajo —le respondí.
—Pues bien, vayan para sus casas, yo voy a descansar y a pensar mucho, porque si me descuido, no salgo vivo de esta. Ustedes no tienen conciencia de lo que está ocurriendo, muchachos, eso que está allá abajo no es una yegua: ¡Es un tanque de guerra con rabo!

Y se metió en el varaentierra. Por la mañana temprano lo visitamos. Estaba detrás de una piedra, y con unos anteojos de la Marina de Guerra de los Estados Unidos observaba a la yegua. A veces dejaba de mirar y hacía anotaciones en una libreta; otras tomaba un cronómetro, observaba con mucha atención y hacía nuevas anotaciones. Tomó, en una oportunidad, un puñado de tierra y lo lanzó al aire e hizo nuevas anotaciones.
—Mire —le dije—, le trajimos agua para que beba, chorizos, salchichones, latas de galletas, vino tinto, así no tendrá que cocinar nada y, todas las mañanas, le traeremos dos termos de café.
No me oyó, seguía observando a la yegua, y así lo dejamos.

Una mañana fuimos a llevarle el café y lo vimos acostado aún.
—¿Qué le pasa? —le pregunté.
Y me respondió:
—No, que el viento lo tengo a mis espaldas y eso tal vez me delate; ella puede percibir mis olores, y debo evitarlo. Esa yegua es muy astuta, muchachos, está bien entrenada, y ese cabrón de Alberto Moya la deja ahí todas las noches para provocar, porque él piensa que nadie puede «cogerla» y se acuesta a dormir confiado, tranquilo; pero él va a saber las gallinas pelás que lleva un saco, él va a saber. Fumó un poco de su pipa y, mirando al techo, nos dijo:
—Déjenme solo, mañana a las once de la noche, vengan, ya es hora de hacerlo.
Ha pasado una semana, el tiempo justo que dediqué a esta operación y no puede pasar un día más. ¡Ah!, y silencio, todo en secreto.
Nos vimos a esa hora. La noche era clara. Él estaba desnudo, había embadurnado su cuerpo con aceite (menos los pies y las manos) y tenía en su pecho un peto de yagua, como los que usan los quechers. Me dio un cartón con letras escritas y un pedazo de alambre para que lo llevara, y me dijo:
—No lo leas, no lo leas, y vamos.
Llevaba una soga en sus manos, corta, en forma de lazo, y nos advirtió:
—Si van a hablar tiene que ser muy bajito, fíjense bien en lo que van a ver, ustedes son testigos.
Menos mal que el viento es favorable.
Arrastrándonos, nos situamos a casi tres metros de la yegua y esperamos a que volviera grupa a nosotros.
—Cada cinco minutos levanta el rabo, mi observación no me falló, eso está cronometrado —nos dijo.
Yo me quedé perplejo y me acordé de Cheo Crica cuando me aseguró que Juan podía resolver el problema. La Luna se ocultó. Juan cerró los ojos y estuvo un rato callado. Cuando se puso de pie, tenía su miembro muy erecto, ¡qué poder de concentración! La yegua levantó el rabo. Corrió hacia ella con el lazo en la mano, dio un salto, clavó sus dedos pulgares e índices de los pies en las corvas del animal y la enlazó. La yegua fue sorprendida, tiró mordidas, patadas, trató de quitárselo de arriba, pero él se sostenía del lazo y de las corvas. La penetró y comenzó a moverse, se movía con mucha rapidez. La yegua dejó de resistirse, comenzó a mover sus ancas y lanzó un relincho.
—Es un relincho de satisfacción, muchachos —gritó, y comenzó a moverse con más rapidez aun.
—Ahora la estoy castigando, muchachos —dijo muy alegre.

La yegua dejó de moverse, él se afincó en sus corvas, saltó, y quedó montado en ella y le dio un paseo por el lugar del encuentro. Me pidió el cartelito, le puso el alambre y lo colgó del cuello del animal. Lo felicitamos, quisimos darle un abrazo; pero era mucho el aceite que llevaba en el cuerpo. Fuimos hasta el arroyo, se limpió con un trapo y luego se bañó. Después volvimos al varaentierra donde recogió su maleta, montó en su caballo, y nos dijo:
—Si alguien pregunta lo que pasó esta noche, ustedes le dicen que sufrí varias patadas, que la yegua por poco me mata, y que desistí, que no lo logré, y así no van a buscarme más. Esta es la última vez que hago esto, muchachos. Y se fue. Por la mañana, cuando Alberto fue a buscar su yegua, y vio el lazo y el cartel que le pendía del pescuezo, y lo revolcado que estaba el terreno, se horrorizó, y más aun cuando leyó:

ALBERTO, ¡QUÉ TEMPLÁ LE DI A TU YEGUA!
Y LA MONTÉ TAMBIÉN.
EL GARAÑÓN

La tradición de los Moya, que venía desde mediados del siglo XIX, se había roto y, como Martínez Campos, Alberto se sintió tan humillado que abandonó la zona, sin que hasta hoy se sepa de él. «¡Ni una yegua más, coño!», dijo el Viejo Pepe Moya, y desde entonces en su familia comenzaron a criar caballos.

(1) Relación sexual de personas con animales.

(2) Magdalena Menasset Robascalla, Esther la Rusa. En 1954 se radicó en Baracoa, donde construyó el hotel Miramar.
Allí se hospedó —entre otras personalidades— Alejo Carpentier. Tras la muerte de esta célebre señora (5 de septiembre
de 1978) el inmueble se empezó a conocer como Hotel «La Rusa».

I MET THE WALRUS: Josh Raskin. (subtitulado)

2012-01-08T06:00:00.000-05:00

EL HOMBRE DEL AÑO (QUE VIENE)

2012-01-07T06:00:00.001-05:00

AQUÍ SOBRE RYAN GOSLIN EN "EL PAÍS".

Capítulo 29.- En la sala B

2012-01-06T06:00:00.003-05:00

Ana Rosa Valdéz

Tu cuerpo te traiciona, colapsa. Tú colapsas. Ya nada resiste. Una hoja se agita en el viento. Gritas en la oscuridad de tu cuarto un nombre innombrable. Te sientes ajeno en la proximidad de otros. Alguien te cuida, su ternura podría conmoverte pero el pulmón derecho te lastima. Parece que te ahogas, tu cuerpo se rinde. Lágrimas que ruegan en el asfalto. La lluvia se niega a tocar tus heridas. El asco. La náuseas. Las ganas de quitarte todos esos cables que te unen a las máquinas de supervivencia. Quieres un poco de agua, sólo un poco, lo suficiente como para que no se resequen tus labios. La piel áspera, los ojos húmedos y muy abiertos, esperando que el reloj avance, pero nada, las horas transcurren despacio. Nuevamente tienes ganas de gritar en la oscuridad del cuarto, pero hay mucha gente que grita más fuerte que tú. Seguro que no te escucharán y habrás gastado un poco de la energía que aún te sostiene. Amanece. Pero pronto cae noche. La luz del día no tarda en reaparecer, pero otra vez las nubes grises cubren el cielo. La noche. El día. La noche. Las jeringas, los sueros, las vitaminas, los minerales. Qué simple. Todo tan a la mano, en las frutas, en las verduras, en el vaso de leche que hoy te niegan. Todos deciden menos tú. Todos tienen algo que decir, pero lo que tú dices carece de sentido. Es de día, pero la fluorescente es más intensa. Y lastima tus ojos.

CINEMA NOIR: "DRIVE" UN NUEVO CLÁSICO.

2012-01-05T08:26:00.004-05:00

Anoche casi por accidente vi esta película que desconocía y que llevó a su director Nicolas Widing Refn a ganar la Palma de Oro de Cannes como mejor director.
Se trata de una obra que logra unir el más puro arte y ensayo con el serie B y los filmes de acción de los años 70. "Drive" es una cinta potente, violentamente bella, los primeros seis minutos de película son maestros, un arranque como pocos en el cine, “Drive” es a su vez una análisis de la soledad y la incomunicación, un filme vivo y necesario.

Drive es una película dramática y thriller Neo-noir estrenado el 16 de septiembre de 2011 en Estados Unidos y cuyo estreno previsto en España es para el 28 de diciembre del mismo año. Protagonizada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Dirigida por Nicolas Winding Refn. Basada en el libro de título homónimo escrito por James Sallis en 2005. Nicolas Winding Refn ganó como mejor director en el Festival de Cine de Cannes, Francia, en 2011.
Se empezó a rodar el 25 de septiembre de 2010. Se filmó íntegramente en la ciudad de Los Ángeles, California, Estados Unidos. Hugh Jackman fue el primer actor vinculado al proyecto para el personaje principal. Neil Marshall fue sustituido por Nicolas Winding Refn en las tareas de dirección; asimismo este último contrató a Ryan Gosling para protagonizar la película. Como preparación para su interpretación Ryan Gosling restauró el Chevy Malibu de 1973 que utiliza su personaje en el film.
Inicialmente la pareja de Standard e Irene era hispánica, hasta que Carey Mulligan formó parte del reparto. Ron Perlman consiguió el personaje de Nino al decirle al director que "quería interpretar a un judío que quería ser un gangster italiano porque era eso lo que él es, un judío de Nueva York". Jacinda Barrett realizó una audición para dar vida a Blanche, finalmente la actriz contratada fue Christina Hendricks.
Según la página de Internet Rotten Tomatoes obtuvo un 93% de comentarios positivos, llegando a la siguiente conclusión: "una mezcla súper estilizada de imágenes impactantes y violencia, Drive representa plenamente una película de acción de arte y ensayo". Peter Travers le otorgó cuatro estrellas y la nombró "la mejor película del año", expresando: "abrochense el cinturón para el baño de sangre existencial de Drive, una brillante obra artesanal que corre en la pista de serie B hasta que cambia a la gasolina vertiginosa de la creatividad pura. Maldita sea, es buena". Scott Tobias de The A.V. Club, expresó: "es poco más que un ejercicio de estilo, pero es deslumbrante y mítico, un testamento fundamental de los coches rápidos, los hombres peligrosos, y de la tensión que aprieta como una mano en la garganta".
Por su parte, Roger Ebert escribió "he aquí otra muestra del viejo principio del noir en Hollywood que dice que una película vive no a través del héroe, sino de sus sombras". Luis Martínez señaló para El Mundo que la película era "brutal y voraz. (...) Refn no se limita a copiar un modelo, sino que intenta poner en pie lo que queda de un recuerdo cuando se olvida". Según la página de Internet Metacritic obtuvo críticas positivas, con un 79%, basado en 40 comentarios de los cuales 35 son positivos. A.O Scott de The New York Times por otro lado, disintió con la película diciendo: "Drive es sombría, crispada y honesta, pero también prisionera de su propio vacío, sustituyendo la atmósfera por las emociones, y un estilo prestado por verdadero atrevimiento".
Albert Brooks fue galardonado con el premio al Mejor actor de reparto otorgado por la New York Film Critics Circle Awards. Carey Mulligan fue premiada en el Hollywood Film Festival como «mejor actriz de reparto» del año. Fue candidata como «mejor película» en el National Board of Review. Es candidata en la Broadcast Film Critics Association en ocho categorías, «mejor película», «mejor director» (Winding Refn), «mejor actor» (Gosling), «mejor actor de reparto» (Brooks), «mejor película de acción», «mejor montaje», «mejor fotografía» y «mejor banda sonora».

Notas tomadas de Wikipedia sobre la película.

PARK CHAN-WOOK EN HOLLYWOOD.

2012-01-05T06:00:00.002-05:00

AQUÍ EN IMDB SOBRE EL NUEVO FILME EN HOLLYWOOD DE PARK CHAN-WOOK "STOKER" (2012).

PARK CHAN-WOOK. “UN GENIO SUELTO”.

2012-01-04T06:00:00.006-05:00

Magdiel Aspillaga.

No recuerdo exactamente cuando fue que vi por primera vez el trabajo del cineasta de Corea del Sur, Park Chan-Wook. Su nombre me llegaba a través de catálogos, algunas reviews y la novedosa semblanza de que el cine de Corea del Sur se estaba convirtiendo en uno de los mejores del mundo. Comenzaba a descubrir el cine asiático y a fascinarme cada vez más con él: los chinos Zhan Yimou y Chen Keige, el cine japonés de horror y su maestro contemporáneo Takashi Miike, el hongkones Wong Kar Wai, los hermanos Pham y otros muchos. Primero de Corea del Sur conocí “Tale of two sisters” de Jee-Woon Kim y después las películas de Kim Ki-Duk, solo me faltaba el protagonista de este texto.
No fue hasta algunos años mas tarde que compré su más famosa película: “Old boy”, la primera cinta de su famosa “Trilogía de la venganza”. En lo particular me fascinan demasiado algunas trilogías y otras que yo mismo suelo agrupar como: La trilogía de la vida de Pasolini, “Azul”, “Blanco” y “Rojo” de Kieślowski; “La aventura”, “El eclipse” y “La noche” de Antonioni; “Elephant”, “Last days” y “Gerry” de Gus Van Sant; “Stalker”, “Nostalgia” y “Sacrificio” de Tarkovski.
La Trilogía de la venganza de Park Chan-Wook se constituye de las cintas: “Old boy”, “Lady vengeance” y “Sympathy for vengeance” (mi preferida). Como indica su nombre la venganza es el tema central de estos filmes donde el cineasta transita por el amor, la culpa, la redención, el cuestionamiento de la relaciones humanas. El cine de Park Chan-Wook es genialmente “extremo”, extremo en violencia, en pasión, en entrega y lucha individual de sus personajes que por lo general están atormentados por conflictos que surgen de sus ideas morales, la moral y los preceptos del ser humano contemporáneo. Son filmes sensuales, sangrientos. La venganza en esta trilogía no abarca la sencillez argumental a lo Charles Bronson de un protagónico que trata de vengar el daño causado por el mal, la venganza ahora viene de la propia venganza, viene de la redención que se convierte en otra a su vez como serpiente nefasta que se muerde la cola.
Graduado del departamento de Filosofía de la Universidad de Sogang, decidió saltar a la realización cinematográfica (según cuenta el cineasta) después de ver “Vértigo”, por lo que no es raro que su cine esté marcado por un fino humor con fuertes influencias de Hitchcock y del también incomodo Polanski. Park Chank Wook absorbió a los maestros genialmente convirtiendo su cine en una obra llena de referencias y citas y a su vez totalmente original, posmoderna, contemporáneo, arte sin tabúes, sus filmes son piezas que se convierten en clásicos instantáneamente. Su “Thirst ”, a mí gusto es la mejor película de vampiros que se haya realizado jamás. Se unen en ella lo mismo el “Drácula” de Copolla, el “Nosferatus” de Morneau, “El Baile de los vampiros” de Polanski que las cintas de John Carpenter.
Este texto surgió cuando vi una de sus primeras cintas “Joint security area”. La película cuenta la historia de dos grupos de soldados de ambas coreas en la zona fronteriza que divide el norte del sur y como contrarios a lo establecido ambos grupos hacen amistad en lo que realizan peligrosos encuentros que terminan en una sangrienta tragedia. Es interesante el contraste entre el norte y el sur a todos los niveles pero si se quiere valorar la libertad política y avance de pensamiento de un país sola hay que mirar su cine, mirando el casi inexistente cine de Corea del Norte y el excelente de la Corea del sur podemos ejemplificar esta idea. “Joint security area”, no es exactamente una película política ni sobre el conflicto de las dos naciones o de una nación separada por las ideologías políticas, pienso es un filme sobre la amistad, la tolerancia y lo absurdo por momentos del odio como aberración del ser humano, una película bella, de una belleza descarnada, de un lirismo agresivo y genial como el de su creador.
No explico las razones por las que considero genial a Park Chan Wook solo mi criterio personal y mi gusto, pero reitero la recomendación de ver su cine por lo sublime y enigmático del mismo, un creador real y coherente de una país que por momentos se me hace lejano y otros demasiado presente cercano, sensitivamente próximo.

La cinta “Three extremes” es un largometraje compuesto de tres cuentos, el primero del hongkones Fruit Chang, el segundo de Park Chan-Wook y el tercero de Takashi Miike. Excelente festín de violencia, drama, humor y cine del mejor.

LOU REED- THINKING XXX.

2012-01-03T06:00:00.000-05:00

LA MAMAN ET LA PUTAIN.

2012-01-02T19:23:00.000-05:00

Jean Eustache ( * Pessac, 30 de noviembre de 1938 – Paris, 5 de noviembre de 1981) fue un escritor y cineasta francés muy reconocido en la década de los 70. Durante su corta carrera, rodó numerosos cortos, además de varios largometrajes considerados, el primero, La Maman et la Putain, como un trabajo clave del cine post-Nouvelle Vague francés. Jean Eustache se suicida en noviembre de 1981, dejando atrás, un corto trabajo que para muchos críticos fue el cine más representativo de los años 70 en Francia.

LAS HORAS.

2011-12-31T12:35:00.004-05:00

Magdiel Aspillaga

Estoy detenido seguro en el muelle, al otro lado queda una tierra desierta lejana infinita, cargada de personas y cosas que conocí y que seguiré conociendo, en las regiones que pertenecen a las aguas sólo existe una habitación que ya me habían dicho cuando estaba en tercer grado o algo así (no recuerdo) que era finita y que se acaba y que se iba a acabar y que no era eterna y que pensara que todo y nada son la misma cosa en lo que el tiempo y esa otra parte yacente en tierra e infinito son algo que alguien también llamó en mi tercer grado pasado, memoria, "el tiempo que ha pasado".
Entonces no me quedan muchas variantes, seguir pareciendo el mismo descuidado de siempre, ignorar llamadas y pensar que todo lo anterior no significó nada y correr por dentro de esta habitación imaginando que es lejana llanura que tuve de niño paisajes con flamboyanes y viento y casa que ahora es pequeña que veo como en una maqueta y padres que también veo pequeños y novias ocultas entre la verde hierba de algo y además que sé yo pensamientos que surgen entre la borrosa imagen de mis holgas de mis ojos que embadurnados de noche se levantan y piensan que el día ha terminado se acaba ha empezado otro (va a empezar) como una de esas malas consignas que tanto nos dijeron en la escuela pioneros por el comunismo y otras tantas. Hoy desperté mirando a hombres que lloran sin control por la muerte de un dictador y a un actor que se baja de una moto y una mujer que sobrevuela los lagos y los peces como fantasma mientras yo trato de ver Paranormal actitity y creérmela verosímil con la esperanza de que no estemos tan solos en el mundo y que no me den ganas de llorar sino que al final todo y nada y siempre sean algo que signifique en lo que pudimos o no, el piano de Philip Glass suena nervioso, ahora mi habitación ocupa el lugar de las aguas, todo se cubre y sube el nivel yo alegre lo recibo, lo capto, lo presiento promulgo nuevas cosas en lengua y sigo irreverente descifrando los nombres de estas calles que suben en número. No me queda otra cosa que brindar por los héroes que han muerto por esa patria que alguien dijo que era mía y por los que siguen vivos o muertos porque al morir van a ser alegres, multitudes de nombres que agradezco profundo liliputiense que era cuando veía aviones y trenes entre los lejanos frentes fríos de Aguacate, las ciudades se mueven apuradas a lo Reggio una mujer rubia que es muñeca y es cadáver sigue dormida alucinante, continentes enteros de luces y sombras se proyectan en una linterna mágica frente a la que dos niños se aman y se escuchan, un hombre con escafandra camina sobre algo lejano y salta y nuevamente cae, infinitamente repetido sobre nosotros para pensar en el nuevo día alucinantes.
Nos queda el paso el verbo el equilibrio, lo demás se improvisa lo sabemos.

OFICINA: HITO STEYERL.

2011-12-29T12:12:00.000-05:00

LA MUJER DE NADIE.

2011-12-28T09:21:00.003-05:00

Los dias transcurren raros, vacaciones que no lo parecen, Navidad que tampoco. Me ocupo en limpiar compulsivamente como siempre que no me siento bien, me da la sensacion de aligerarme, como si al ir quitando la suciedad se aclarara todo. El helecho del patio no se salva y le toco que lo podara. Me la recuerda con su frase que los helechos amarran a los hombres; siempre me lo repetia y siempre he tenido helechos. A quien queria amarrar era a ella y lo he logrado a fuerza de no olvidarla. La planta activa un mecanismo que desencadena recuerdos, frases, ideas. …que tiene esa niña que vuelve loco a los hombres? …tienes mucho geniecito. …tienes suerte. Tengo suerte de tenerte, de tenerte siempre y mientras te tenga tengo suerte.

Diciembre es distinto, soy distinta. Todo es lento y convulso. Puedo resumirlo todo en pocas palabras. Puedo resumir mi vida en que vengo de ti y vives en mi. Me gusta resumir las ideas, alargar las sensaciones, disfrutar los sentimientos. Que se vaya Diciembre y llegue Enero, al que tanto odio pero que ironicamente me recuerda que todo pasa.

K.L.R.

"PARANORMAL ACTIVITY". NOTAS DE WIKIPEDIA.

2011-12-28T06:00:00.000-05:00

El debutante director, Oren Peli, sintió miedo a los fantasmas durante toda su vida, pero intentó convertir ese temor en algo positivo y productivo.5 A Peli le tomó un año preparar su propia casa para la filmación: pintó paredes, añadió muebles, instaló alfombras y construyó una escalera. Durante ese período, también realizó una profunda investigación sobre fenómenos paranormales y demonología. La idea de transformar al fantasma de la historia en un demonio surgió de una investigación que señalaba que los entes más malévolos y violentos son justamente los «demonios».6 Los fenómenos en la película suceden principalmente durante la noche, porque, según Peli, la vulnerabilidad al estar dormidos toca los temores más fundamentales del ser humano.
Concentrándose en la credibilidad y en la autenticidad, Peli decidió filmar todo con una cámara de video casera. Para prescindir de camarógrafos y para añadir un formato más crudo y estacionario, la cámara estuvo casi siempre instalada en un trípode o en otros lugares.6 Peli dijo que el diálogo era «natural» porque no hubo guion. De hecho, a los actores se les dio pistas de la historia y de las situaciones para que improvisaran, una técnica que también fue usada en la exitosa película The Blair Witch Project.6
Para hacer el casting de la película, Peli audicionó a cientos de personas antes de conocer a los actores Katie Featherston y Micah Sloat. Originalmente, los audicionó individualmente y luego los llamó para que hicieran una prueba juntos.
Con un presupuesto de USD $15.000, una cámara de video y sin estudios formales de cine, Peli comenzó la grabación.5 La película fue filmada en la antigua casa del director en Rancho Peñasquitos, un suburbio de San Diego, California. Aunque el director quería que la historia fuera «entregada» a los actores tal como él la había concebido, las escenas fueron grabadas fuera de secuencia debido a la escasez de tiempo (la agenda de filmación tenía sólo siete días).
Afortunadamente, Micah Loat, que participó en la mayoría de las escenas junto a Katie, era un antiguo camarógrafo en la estación de televisión de su universidad. Según Peli, el filme fue grabado día y noche, era editado al mismo tiempo y los efectos especiales eran aplicados mientras el material era terminado por los actores. Una semana más tarde, la película estaba lista.5

Una vez terminado el filme, Peli firmó con la agencia Creative Artists. Exhibieron la película en el 2007 durante el Screamfest Horror Film Festival y, como resultado, comenzaron a repartir DVD a todas las empresas que quisieran distribuirla. Paranormal activity no vio la luz hasta el 2007, cuando el ejecutivo de Miramax Films, Jason Blum, y su colega productor, Steven Schneider, la vieron. Trabajando con Blum, Peli editó la cinta para acortarla y suavizarla, pero algunos problemas surgieron: el Festival de Cine de Sundance no la aceptó y, aunque el Slamdance Film Festival sí lo hizo, ninguna compañía la seleccionó para distribuirla a gran escala.5
En el 2008, el DVD terminó en Dreamworks y fue visto por el ejecutivo de producción, Ashley Brooks. Brooks quedó tan impresionado con la película, que le insistió al jefe de producción, Adam Goodman, que la viera. Goodman, a su vez, se la llevó a Stacey Snider, jefa del estudio. Ellos también quedaron impactados por el filme y le llevaron el DVD al director Steven Spielberg, quien lo vio en su casa.5
Steven Spielberg regresó al día siguiente a Dreamworks con la película envuelta en una bolsa de basura, porque pensó que estaba maldita. De acuerdo a Spielberg, minutos después de ver Paranormal activity, las puertas de su habitación se cerraron solas y no pudo salir hasta que llegó un cerrajero.5 7 A pesar de todo, a Spielberg le gustó el filme y le dio luz verde a una nueva versión que sería producida por Jason Blum y dirigida nuevamente por Oren Peli.
Paramount Pictures adquirió los derechos nacionales de la película y los derechos internacionales de potenciales secuelas por USD $300.000.1 El acuerdo para el filme estipulaba que Oren Peli sería el director y que el DVD incluiría la versión original de la película para que el público viera cómo era la obra inicialmente. Durante las negociaciones del contrato, Blum y Peli acordaron exhibir Paranormal Activity sólo una vez a un público real para ver su reacción. Como parte del pacto, Goodman invitó a varios guionistas a la exhibición para que sugirieran los elementos que había que añadir y quitar al guion de la nueva versión.5
Durante la exhibición, la gente comenzó a retirarse de la sala. Goodman creía haber tomado una mala decisión, hasta que notó que se marchaban porque estaban asustados (algo similar a lo ocurrido en 1979 con la película Alien, el octavo pasajero). Fue en ese momento que Goodman desechó la idea del remake y decidió lanzar la versión original de la cinta.5
El estreno del filme estaba planeado para el 2008, pero se retrasó debido al distanciamiento entre Dreamworks y Paramount Pictures. Mientras la película estaba en limbo, Oren Peli y Jason Blum la exhibieron en un cine de Santa Mónica para compradores internacionales y adolescentes, lo que permitió vender la cinta a 52 países diferentes.5 El negocio generado y el positivo «boca a boca» finalmente presionaron a Adam Goodman para lanzar la película en el otoño planificado.5

El 25 de septiembre de 2009, Paramount Pictures decidió lanzar la película en 13 barrios universitarios de Estados Unidos. En su sitio web, el director Oren Peli invitó a los usuarios de Internet a «pedir» la exhibición del filme en la página Eventful.com.8 El lanzamiento de Paranormal activity marcó un hito, ya que nunca antes una compañía de cine importante había usado la publicidad viral para promover una de sus cintas. La película logró llenar 12 de las 13 salas en que fue exhibida.9 El 27 de septiembre de 2009, el blog del diario Los Angeles Times publicó que Paramount estaba planeando el estreno del filme en varios otros mercados, basándose en el éxito obtenido durante el lanzamiento inicial limitado.9 Al día siguiente, Paramount confirmó esta noticia a través de un comunicado de prensa en el sitio web oficial de Oren Peli. El comunicado anunciaba que el estreno de la película se expandiría a otros 20 mercados el viernes 2 de octubre de 2009. Esta lista incluía ciudades importantes que habían sido exluidas anteriormente, como Nueva York y Chicago.
El 3 de octubre de 2009 se supo que las 33 exhibiciones llevadas a cabo en los 20 mercados anunciados habían producido USD $500.000. Al día siguiente, Paramount Pictures anunció que la película tendría un lanzamiento limitado en 40 mercados exhibiéndola a toda hora (incluso después de medianoche). Éste estreno se realizó el viernes 9 de octubre de 2009.
El martes 6 de octubre, Paramount y Eventful.com anunciaron que Paranormal Activity sería estrenada a nivel nacional si se recibían 1.000.000 de «pedidos». El sábado 10 de octubre, a eso de las 1:35 a.m., el contador ya había llegado a la meta.10 Horas más tarde, Paramount anunció que la película se estrenaría oficialmente el 16 de octubre y luego llegaría a más salas de cine el día 23.

DIOSAS HUNGARAS: RITA FALTOYANO.

2011-12-27T06:00:00.001-05:00

THE MURDER OF JEAN SEBERG.

2011-12-26T11:48:00.001-05:00

SILENT LOCATIONS.

2011-12-25T06:00:00.001-05:00

AQUÍ BLOG HOMENAJE AL CINE SILENTE.

BANKSY: "EXIT THROUGH THE GIFT SHOP".

2011-12-24T06:00:00.000-05:00

HERE WEBSITE: "EXIT THROUGH THE GIFT SHOP"

Directed and Edited by THIERRY GUETTA
with JOACHIM LEVY

Featuring (in order of appearance)

BANKSY
THIERRY GUETTA (aka MR. BRAINWASH)
DEBORA GUETTA
SPACE INVADER
MONSIEUR ANDRE
ZEUS
SHEPARD FAIREY
RON ENGLISH
SWOON
BORF
BUFFMONSTER

KORINE'S BOOK.

2011-12-23T08:25:00.003-05:00

HERE IN JOANNA EWING'S SITE.

KORINE'S "TRASH HUMPERS". MOVIE.

2011-12-22T11:32:00.001-05:00

TERRY RICHARDSON: "Pirelli calendar".

2011-12-22T08:38:00.002-05:00

AQUÍ EN AVAXNEWS.

HARMONY KORINE EN MIAMI.

2011-12-22T08:35:00.002-05:00

AQUÍ EN purple DIARY.

KINO-MEMO: “Los indios del desierto de color”.

2011-12-20T15:18:00.008-05:00

Por Joseph Santovenia.

Hoy las nubes plomizas de una temerosa temporada sobrevuelan las majestuosas olas que tengo frente a mi hogar. Paseo con mi perro Karlof por una arena salpicada de salteados bultos de yerba gris. Sarasota a estas horas de la mañana parece el primer lugar del universo, un lugar virgen para ese extraño animal que se llama cine y al que he dedicado mi vida. A veces llevamos recuerdos que guardamos bien adentro y que nunca compartimos con nadie, son como sueños de los que dudamos hayan podido suceder realmente. Karloff corre persiguiendo un sargazo movido por el viento, creyendo ingenuamente que se trata de alguien vivo, de alguien que nos viene haciendo compañía en este delicioso desierto.

En otras ocasiones me detengo detrás de los amplios cristales de mi estudio mientras bebo lentos sorbos de vodka con leche y Prokofiev suena a mis espaldas mas terrestre que nunca. Miro a la inmensidad marina con el incrédulo temor lovercraftiano de que pueda salir en la noche alguna peligrosa criatura dispuesta a invadir mi casa. Deambulo entre viejas bobinas Pathe, Gernaut & Trapitche, entre proyectores antiguos, linternas mágicas y bellos rotoscopios, paraxinoscopios y bombillas de entre los que me sale la imagen de la bella Zafira, diosa iraní con la que hube de vivir uno de los más bellos romances de mi vida (pero ya esa es otra historia) ahora sólo es el cine y afloran como siempre a estas horas recuerdos lejanos.

Viajo entonces hasta el crudo invierno del 73 en Buffalo, la ciudad blanca y profunda de la que tanto hablo Pérez Dinarte en su biografía, “…blanca y profunda como un mal grito…” diría el exiliado argentino. El motivo de mi visita era la recogida de las bovinas que había donado Linda Cunningham la viuda del cineasta Herbert Cunningham a la cinemateca de Bristol y a su vez la cinemateca contrató nuestros servicios para la restauración de la misma.
En aquellos años me encontraba trabajando para la compañía de revelado y restauración de filmes “Cats and miaus” cuyo propietario Yani Mitze había trabajado como químico mezclador en los pioneros laboratorios de la Metro Goldwyn Mayer, quién después de ser expulsado a grito pelado por el propio Samuel Goldwyn decidió fundar su propia compañía la cual navegaba con bastante clientela dentro y fuera del país.
Herbert Cunningham es un cineasta poco conocido yo diría desconocido o como algunos jóvenes de ahora titulan con bondad “de culto”. Herbert “the quiet”, o Herbert el tranquilo como era conocido en los estudios comenzó como asistente de dirección de muchos que después se convirtieron en grandes como Raoul Walsh, John Ford o Billy Wilder. Su capacidad organizativa fue decisiva para que los estudios pusieran en sus manos el guión de la cinta que da título a este recuerdo, “Los indios del desierto de color”.
Basada en el libro de la escritora feminista Christina Perrignan Norton (The siux from the color’s desert) el cual fuera un bets-seller en los tempranos años veinte. La historia se desarrollaba en el lejano 1870 en plena conquista del oeste americano por las tropas del coronel Simpson y su ayudante T. Lambert (en las memorias de Lambert “Life with swords and feets”, menciona el suceso real en el que se basa la novela 60 años después).
Un cabo del ejercito dirige un pequeño escuadrón llevando en su travesía conquistadora a su bella esposa Laetitia. Laetitia conoce por accidente un día en que se aleja del regimiento a “Eye of birdbell” o Ojo de ruiseñor, un joven siux que se enamora de ella. La joven y bella Laetitia también cae enamorada del joven nativo y ambos huyen dejándolo todo atrás, ella a su esposo, él a su tribu, emprendiendo una huida por los desiertos de Sonora.
Lo que en los años veinte fue una bucólica historia de amor ambientada en el exótico marco del bello oeste, en el año 51 en que Herbert el tranquilo rodaba la película era por el contrario un manifiesto político que podía ser visto por el stablishment como un ataque comunista y así mismo sucedió.
La película se rodó en el sur de San Diego y en las húmedas naves de lo que es ahora la cara ciudad de Century City, inclusive llegaron a montarse las primeras secuencias por el editor polaco Mathias Krawer quien llegó a California huyendo de Stalin, la edición no se finalizó. El filme terminó con un juicio a Herbert y los tres guionistas acusados de comunistas, los rollos terminaron encerrados en los sótanos de los estudios con orden mayoritaria de nunca ser sacados a la luz. Herbert fue usado de chivo expiatorio para librar de la culpa supuesta y falsa de ser comunistas los altos ejecutivos que al final eran quienes habían dado la orden de rodarla pensando que el antiguo éxito literario llenaría sus arcas y lujuriosos placeres beverlihillnianos. Para los actores protagónicos también fue la primera y última relación con el cine, el propio Montgomery Cliff que interpretaba el personaje de "Guerrero" un sureño devenido colono fue cuestionado por su participación en el filme de la cual salió airoso.
Herbert el tranquilo, fue separado para el resto de su vida del cine no solo por haber realizado la película sino también por la delación de un testigo que aseguraba haberlo visto en una reunión clandestina del partido comunista en su natal barrio de la pequeña Odessa al este de Hollywood. Esto en el Hollywood de aquellos años asediado por la caza de brujas de McCarthy era más que suficiente para sacar a cualquiera de circulación.
Aquella invernal mañana en que toqué parado sobre una loma de nieve a la puerta de la casita de Linda, la esposa de Herbert, ha sido inolvidable para mi.
Me abrió la entrada la anciana que me recordaba a la Katherine Althier de “Sometimes in to you”, un rostro tranquilo y sereno que se ve fue hermoso muchos años atrás.
Recuerdo que tomamos té y degustamos bizcochos, y entre anécdotas me contó de la locura de Herbert, su alcoholismo, su partida para siempre sin despedirse hacia el desierto de Sonora donde desapareció completamente. Unas lagrimas tímidas asomaron sus ojos y yo quise haber sido el hombre invisible para que no me viera, por lo menos no ocupar esta intimidad que sentía no era mía.
Alguien había mandado cinco rollos desde Los Angeles a la antigua dirección del matrimonio Cunningham en New Jershey. Nunca se supo quien los envío. UPS la hizo firmar un invoice donde el remitente permanecía vacío. –Pensé que estaría mejor en manos de ellos (ser refería a los de la Cinemateca) a Herbert le hubiera gustado la idea - dijo con la voz entrecortada pero muy joven.
Me despedí de Linda y de Buffalo cargando en mi Ford las bovinas y una historia que me dejaba el pecho cerrado y triste.
“Los indios del desierto de color” era un filme desconocido para mí completamente y aunque algo escuché entre pasillos de algún lugar, no tenia información precisa sobre la película hasta aquel día en que excitado la visioné junto a mi ayudante. Se trataba de una obra bellamente filmada, Herbert supo mezclar las grandes tomas panorámicas de paisajes exteriores con los fríos y encartulinados interiores rodados en estudio. Mucho disfruté, viví, me transporté y emocioné con este visionaje, según el libro, al final Laetitia y Ojo de ruiseñor son baleados cuando se bañan en un río por el marido celoso y por un grupo de siux que creen que Ojo de ruiseñor es un traidor, como la copia que vi solo tenía cinco rollos no pude por suerte ver este trágico final que Herbert mantuvo en el filme, solo terminé en una larga toma en grúa en que la pareja feliz se pierde en el desierto amorosos mientras cabalgan un bello corcel.
A pesar del encierro no estaba tan dañada y no pasé mucho trabajo en la restauración, terminado el asunto la enviamos a Bristol donde al parecer no tuvo muchos más espectadores como condena a vivir encerrada y ocultando la belleza que posee, a oscuras como un pedazo incompleto de memoria.

A veces me siento un poco como Herbert Cunningham “el tranquilo”, lo único que la arena de mis pasos es de salitre, permanente novia del agua, lejana de la arena cruda y caliente de Sonora, hermanas que en ninguna calmarás la sed.

Sarasota. 3 de diciembre del 2011.

Joseph Santovenia: Restaurador fílmico, investigador cinematográfico y coleccionista. Nacido en Cuba en 1945 emigró con su familia a los Estados Unidos aun muy niño. Estudió ingeniería aérea en el Royal College Institute of Baltimore y Doctorado en química e historia médica en Princeton. Es una de las voces más avanzadas en el mundo de la restauración fílmica. Posee una importante colección de objetos de cine entre los que se cuentan el palinoscopio diseñado por Eduard T. T y desarrollado por Edison. Entre sus libros más importantes se encuentran, “Morir antes de…”, “Tale for a dog and a writer”, “Symphony for Mr DeMille” y “Como inmortalicé un rostro”. Reside en Sarasota, Florida.

GENIALIDAD: LARS VON TRIER.

2011-12-16T08:52:00.001-05:00

"SANTA EVITA" DE TOMÁS ELOY MARTÍNEZ.

2011-12-15T10:14:00.002-05:00

AQUÍ EN LITERATURA.ORG.

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN.

2011-12-13T08:57:00.002-05:00

HERE IN NYTIMES.

ENTREVISTA A ENRIQUE PINEDA BARNET.

2011-12-12T15:10:00.002-05:00

AQUÍ EN "PUENTEAR": Enrique Pineda Barnet: «Mis amores son permanentes» por Elizabeth López Corzo.

DAVID LYNCH. "Mathématiques, un dépaysement soudain"

2011-12-10T06:00:00.000-05:00

WIM WENDERS: "PINA".

2011-12-08T17:18:00.000-05:00

WOODY ALLEN: "MIDNIGHT IN PARIS".

2011-12-08T17:09:00.002-05:00

AQUÍ: En europapress.es . Medianoche en París, el genial cuento de hadas de Woody Allen.

Más sobre la película en El club de los imposibles.

GENIALIDAD: OROZA'S PERFORMANCE.

2011-12-07T09:59:00.004-05:00

HERE: Performance Beyond Miami's Parties by Paul David Young in "ART IN AMÉRICA".

"Oroza considered this "architecture of necessity" to be an instance of the total Cuban social adaptation to the island's economic isolation, the most famous example of which is the country's bizarrely well-preserved fleet of 1950s cars. For Oroza, this Cuban resourcefulness engenders a "pre-cultural sense of eating and sleeping," a state that seemed momentarily desirable."

JIM JARMUSCH/ MASTERCLASS.

2011-12-06T13:10:00.000-05:00

JULIO CORTÁZAR: "LA PUERTA CONDENADA".

2011-12-05T10:07:00.003-05:00

A Petrone le gustó el hotel Cervantes por razones que hubieran desagradado a otros. Era un hotel sombrío, tranquilo, casi desierto. Un conocido del momento se lo recomendó cuando cruzaba el río en el vapor de la carrera, diciéndole que estaba en la zona céntrica de Montevideo. Petrone aceptó una habitación con baño en el segundo piso, que daba directamente a la sala de recepción. Por el tablero de llaves en la portería supo que había poca gente en el hotel; las llaves estaban unidas a unos pesados discos de bronce con el número de habitación, inocente recurso de la gerancia para impedir que los clientes se las echaran al bolsillo.
El ascensor dejaba frente a la recepción, donde había un mostrador con los diarios del día y el tablero telefónico. Le bastaba caminar unos metros para llegar a la habitación. El agua salía hirviendo, y eso compensaba la falta de sol y de aire. En la habitación había una pequeña ventana que daba a la azotea del cine contiguo; a veces una paloma se paseaba por ahí. El cuarto de baño tenía una ventana más grande, que se habría tristemente a un muro y a un lejano pedazo de cielo, casi inútil. Los muebles eran buenos, había cajones y estantes de sobra. Y muchas perchas, cosa rara.
El gerente resultó ser un hombre alto y flaco, completamente calvo. Usaba anteojos con armazón de oro y hablaba con la voz fuerte y sonora de los uruguayos. Le dijo a Petrone que el segundo piso era muy tranquilo, y que en la única habitación contigua a la suya vivía una señora sola, empleada en alguna parte, que volvía al hotel a la caída de la noche. Petrone la encontró al día siguiente en el ascensor. Se dio cuenta de que era ella por el número de la llave que tenía en la palma de la mano, como si ofreciera una enorme moneda de oro. El portero tomó la llave y la de Petrone para colgarlas en el tablero, y se quedó hablando con la mujer sobre unas cartas. Petrone tuvo tiempo de ver que era todavía joven, insignificante, y que se vestía mal como todas las orientales.
El contrato con los fabricantes de mosaicos llevaría más o menos una semana. Por la tarde Petrone acomodó la ropa en el armario, ordenó sus papeles en la mesa, y después de bañarse salió a recorrer el centro mientras se hacía hora de ir al escritorio de los socios. El día se pasó en conversaciones, cortadas por un copetín en Pocitos y una cena en casa del socio principal. Cuando lo dejaron en el hotel era más de la una. Cansado, se acostó y se durmió en seguida. Al despertarse eran casi las nueve, y en esos primeros minutos en que todavía quedan las sobres de la noche y del sueño, pensó que en algún momento lo había fastidiado el llanto de una criatura.
Antes de salir charló con el empleado que atendía la recepción y que hablaba con acentyo alemásn. Mientras se informaba sobre líneas de ómnibus y nombres de calles, miraba distraído la enorme sala en cuyo extremo estaban la puerta de su ahbitación y la de la señora sola. Entre las dos puertas había un pedastal con una nefasta réplica de la Venus de Milo. Otra puerta, en la pared lateral daba a una salida con los infaltables sillones y revistas. Cuando el empleado y Petrone callaban el silencio del hotel parecía coagularse, caer como cenizas sobre los muebles y las baldosas. El ascensor resultaba casi estrepitoso, y lo mismo el ruido de las hojas de un diario o el raspar de un fósforo.
Las conferencias terminaron al caer la noche y Petrone dio una vuelta por 18 de Julio antes de entrar a cenar en uno de los bodegones de la plaza Independencia. Todo iba bien, y quizá pudiera volverse a Buenos Aires antes de lo que pensaba. Compró un diario argentino, un atado de cigarrillos negros, y caminó despacio hasta el hotel. En el cine de al lado daban dos películas que ya había visto, y en realidad no tenía ganas de ir a ninguna parte. El gerente lo saludó al pasar y le preguntó si necesitaba más ropa de cama. Charlaron un momento, fumando un pitillo, y se despidieron.
Antes de acostarse Petrone puso en orden los papeles que había usado durante el día, y leyó el diario sin mucho interés. El silencio del hotel era casi excesivo, y el ruido de uno que otro tranvía que bajaba por la calle Soriano no hacía más que pausarlo, fortalecerlo para un nuevo intervalo. Sin inquietud pero con alguna impaciencia, tiró el diario al canasto y se desvistió mientras se miraba distraído en el espejo del armario. Era un armario ya viejo, y lo habían adosado a una puerta que daba a la habitación contigua. A Petrone lo sorprendió descubrir la puerta que se le había escapado en su primera inspección del cuarto. Al principio había supuesto que el edificio estaba destinado a hotel pero ahora se daba cuenta de que pasaba lo que en tantos hoteles modestos, instalados en antiguas casas de escritorios o de familia. Pensándolo bien, en casi todos los hoteles que había conocido en su vida —y eran muchos— las habitaciones tenían alguna puerta condenada, a veces a la vista pero casi siempre con un ropero, una mesa o un perchero delante, que como en este caso les daba una cierta ambigüedad, un avergonzado deseo de disimular su existencia como una mujer que cree taparse poníendose las manos en el vientre o los senos. La puerta estaba ahí, de todos modos, sobresaliendo del nivel del armario. Alguna vez la gente había entrado y salido por ella, golpeándola, entornándola, dándole una vida que todavía estaba presente en su madera tan distinta de las paredes. Petrone imaginó que del otro lado habría también un ropero y que la señora de la habitación pensaría lo mismo de la puerta.
No estaba cansado pero se durmió con gusto. Llevaría tres o cuatro horas cuando lo despertó una sensación de incomodidad, como si algo ya hubiera ocurrido, algo molesto e irritante. Encendió el velador, vio que eran las dos y media, y apagó otra vez. Entonces oyó en la pieza de al lado el llanto de un niño.
En el primer momento no se dio bien cuenta. Su primer movimiento fue de satisfacción; entonces era cierrto que la noche antes un chico no lo había dejado descansar. Todo explicado, era más fácil volver a dormirse. Pero después pensó en lo otro y se sentó lentamente en la cama, sin encender la luz, escuchando. No se engañaba, el llanto venía de la pieza de al lado. El sonido se oía a través de la puerta condenada, se localizaba en ese sector de la habitación al que correspondían los pies de la cama. Pero no podía ser que en la pieza de al lado hubiera un niño; el gerente había dicho claramente que la señora vivía sola, que pasaba casi todo el día en su empleo. Por un segundo se le ocurrió a Petrone que tal vez esa noche estuviera cuidando al niño de alguna parienta o amiga. Pensó en la noche anterior. Ahora estaba seguro de que ya había oído el llanto, porque no era un llanto fácil de confundir, más bien una serie irregular de gemidos muy débiles, de hipos quejosos seguidos de un lloriqueo momentáneo, todo ello inconsistente, mínimo, como si el niño estuviera muy enfermo. Debía ser una criatura de pocos meses aunque no llorara con la estridencia y los repentinos cloqueos y ahogos de un recién nacido. Petrone imaginó a un niño — un varón, no sabía por qué— débil y enfermo, de cara consumida y movimientos apagados. Eso se quejaba en la noche, llorando pudoroso, sin llamar demasiado la atención. De no estar allí la puerta condenada, el llanto no hubiera vencido las fuertes espaldas de la pared, nadie hubiera sabido que en la pieza de al lado estaba llorando un niño.

Por la mañana Petrone lo pensó un rato mientras tomaba el desayuno y fumaba un cigarrillo. Dormir mal no le convenía para su trabajo del día. Dos veces se había despertado en plena noche, y las dos veces a causa del llanto. La segunda vez fue peor, porque a más del llanto se oía la voz de la mujer que trataba de calmar al niño. La voz era muy baja pero tenía un tono ansioso que le daba una calidad teatral, un susurro que atravesaba la puerta con tanta fuerza como si hablara a gritos. El niño cedía por momentos al arrullo, a las instancias; después volvía a empezar con un leve quejido entrecortado, una inconsolable congoja. Y de nuevo la mujer murmuraba palabras incomprensibles, el encantamiento de la madre para acallar al hijo atormentado por su cuerpo o su alma, por estar vivo o amenazado de muerte.
«Todo es muy bonito, pero el gerente me macaneó» pensaba Petrone al salir de su cuarto. Lo fastidiaba la mentira y no lo disimuló. El gerente se quedó mirándolo.
—¿Un chico? Usted se habrá confundido. No hay chicos pequeños en este piso. Al lado de su pieza vive una señora sola, creo que ya se lo dije.
Petrone vaciló antes de hablar. O el otro mentía estúpidamente, o la acústica del hotel le jugaba una mala pasada. El gerente lo estaba mirando un poco de soslayo, como si a su vez lo irritara la protesta. «A lo mejor me cree tímido y que ando buscando un pretexto para mandarme mudar», pensó. Era difícil, vagamente absurdo insistir frente a una negativa tan rotunda. Se encogió de hombros y pidió el diario.
—Habré soñado —dijo, molesto por tener que decir eso, o cualquier otra cosa.

El cabaret era de un aburrimiento mortal y sus dos anfitriones no parecían demasiado entusiastas, de modo que a Petrone le resultó fácil alegar el cansancio del día y hacerse llevar al hotel. Quedaron en firmar los contratos al otro día por la tarde; el negocio estaba prácticamente terminado.
El silencio en la recepción del hotel era tan grande que Petrone se descubrió a sí mismo andando en puntillas. Le habían dejado un diario de la tarde al lado de la cama; había también una carta de Buenos Aires. Reconoció la letra de su mujer.
Antes de acostarse estuvo mirando el armario y la parte sobresaliente de la puerta. Tal vez si pusiera sus dos valijas sobre el armario, bloqueando la puerta, los ruidos de la pieza de al lado disminuirían. Como siempre a esa hora, no se oía nada. El hotel dormía las cosas y las gentes dormían. Pero a Petrone, ya malhumorado, se le ocurrió que era al revés y que todo estaba despierto, anhelosamente despierto en el centro del silencio. Su ansiedad inconfesada debía estarse comunicando a la casa, a las gentes de la casa, prestándoles una calidad de acecho, de vigilancia agazapada. Montones de pavadas.
Casi no lo tomó en serio cuando el llanto del niño lo trajo de vuelta a las tres de la mañana. Sentándose en la cama se preguntó si lo mejor sería llamar al sereno para tener un testigo de que en esa pieza no se podía dormir. El niño lloraba tan débilmente que por momentos no se lo escuchaba, aunque Petrone sentía que el llanto estaba ahí, continuo, y que no tardaría en crecer otra vez. Pasaban diez o veinte lentísimos segundos; entonces llegaba un hipo breve, un quejido apenas perceptible que se prolongaba dulcemente hasta quebrarse en el verdadero llanto.
Encendiendo un cigarrillo, se preguntó si no debería dar unos golpes discretos en la pared para que la mujer hiciera callar al chico. Recién cuando los pensó a los dos, a la mujer y al chico, se dio cuenta de que no creía en ellos, de que absurdamente no creía que el gerente le hubiera mentido. Ahora se oía la voz de la mujer, tapando por completo el llanto del niño con su arrebatado —aunque tan discreto— consuelo. La mujer estaba arrullando al niño, consolándolo, y Petrone se la imaginó sentada al pie de la cama, moviendo la cuna del niño o teniéndolo en brazos. Pero por más que lo quisiera no conseguía imaginar al niño, como si la afirmación del hotelero fuese más cierta que esa realidad que estaba escuchando. Poco a poco, a medida que pasaba el tiempo y los débiles quejidos se alternaban o crecían entre los murmullos de consuelo, Petrone empezó a sospechar que aquello era una farsa, un juego ridículo y monstruoso que no alcanzaba a explicarse. Pensó en viejos relatos de mujeres sin hijos, organizando en secreto un culto de muñecas, una inventada maternidad a escondidas, mil veces peor que los mimos a perros o gatos o sobrinos. La mujer estaba imitando el llanto de su hijo frustrado, consolando al aire entre sus manos vacías, tal vez con la cara mojada de lágrimas porque el llanto que fingía era a la vez su verdadero llanto, su grotesco dolor en la soledad de una pieza de hotel, protegida por la indiferencia y por la madrugada.
Encendiendo el velador, incapaz de volver a dormirse, Petrone se preguntó qué iba a hacer. Su malhumor era maligno, se contagiaba de ese ambiente donde de repente todo se le antojaba trucado, hueco, falso: el silencio, el llanto, el arrullo, lo único real de esa hora entre noche y día y que lo engañaba con su mentira insoportable. Golpear en la pared le pareció demasiado poco. No estaba completamente despierto aunque le hubiera sido imposible dormirse; sin saber bien cómo, se encontró moviendo poco a poco el armario hasta dejar al descubierto la puerta polvorienta y sucia. En pijama y descalzo, se pegó a ella como un ciempiés, y acercando la boca a las tablas de pino empezó a imitar en falsete, imperceptiblemente, un quejido como el que venía del otro lado. Subió de tono, gimió, sollozó. Del otro lado se hizo un silencio que habría de durar toda la noche; pero en el instante que lo precedió, Petrone pudo oír que la mujer corría por la habitación con un chicotear de pantuflas, lanzando un grito seco e instantáneo, un comienzo de alarido que se cortó de golpe como una cuerda tensa.

Cuando pasó por el mostrador de la gerencia eran más de las diez. Entre sueños, después de las ocho, había oído la voz del empleado y la de una mujer. Alguien había andado en la pieza de al lado moviendo cosas. Vio un baúl y dos grandes valijas cerca del ascensor. El gerente tenía un aire que a Petrone se le antojó de desconcierto.
—¿Durmió bien anoche? —le preguntó con el tono profesional que apenas disimulaba la indiferencia.
Petrone se encogió de hombros. No quería insistir, cuando apenas le quedaba por pasar otra noche en el hotel.
—De todas maneras ahora va a estar más tranquilo — dijo el gerente, mirando las valijas—.La señora se nos va a mediodía.
Esperaba un comentario, y Petrone lo ayudó con los ojos.
—Llevaba aquí mucho tiempo, y se va así de golpe. Nunca se sabe con las mujeres.
—No —dijo Petrone—. Nunca se sabe.
En la calle se sintió mareado, con un mareo que no era físico. Tragando un café amargo empezó a darle vueltas al asunto, olvidándose del negocio, indiferente al espléndido sol. Él tenía la culpa de que esa mujer se fuera del hotel, enloquecida de miedo, de vergüenza o de rabia. Llevaba aquí mucho tiempo...Era una enferma, tal vez, pero inofensiva. No era ella sino él quien hubiera debido irse del Cervantes. Tenía el deber de hablarle, de excusarse y pedirle que se quedara, jurándole discreción. Dio unos pasos de vuelta y a mitad del camino se paró. Tenía miedo de hacer un papelón, de que la mujer reaccionara de alguna manera insospechada. Ya era hora de encontrarse con los dos socios y no quería tenerlos esperando. Bueno, que se embromara. No era más que una histérica, ya encontraría otro hotel donde cuidar a su hijo imaginario.

Pero a la noche volvió a sentirse mal, y el silencio de la habitación le pareció todavía más espeso. Al entrar al hotel no había podido dejar de ver el tablero de las llaves, donde faltaba ya la de la pieza de al lado. Cambió unas palabras con el empleado, que esperaba bostezando la hora de irse, y entró en su pieza con poca esperanza de poder dormir. Tenía los diarios de la tarde y una novela policial. Se entretuvo arreglando sus valijas, ordenado sus papeles. Hacía calor, y abrió de par en par la pequeña ventana. La cama estaba bien tendida, pero la encontró incómoda y dura. Por fin tenía todo el silencio necesario para dormir a pierna suelta, y le pesaba. Dando vueltas y vueltas, se sintió como vencido por ese silencio que había reclamado con astucia y que le devolvían entero y vengativo. Irónicamente pensó que extrañaba el llanto del niño, que esa calma perfecta no le bastaba para dormir y todavía menos para estar despierto. Extrañaba el llanto del niño, y cuando mucho más tarde lo oyó, débil pero inconfundible a través de la puerta condenada, por encima del miedo, por encima de la fuga en plena noche supo que estaba bien y que la mujer no había mentido, no se había mentido al arrullar al niño, al querer que el niño se callara para que ellos pudieran dormirse.

(Final del juego, 1956)

Jacquelyn Jablonski for AnOther Magazine FW 2010 by Glen Luchford.

2011-12-05T06:00:00.000-05:00

SILENT Models NY S/S 11 / An afternoon in Brooklyn.

2011-12-03T06:00:00.000-05:00

MID TERM ARTS FEST.

2011-12-02T09:49:00.006-05:00

Expandiendo los predios de la creatividad.

El espectáculo multidiciplinario muestra lo mejor de cada manifestación artística : La Danza, El Teatro, La Música, El canto, Las Artes Plásticas, La Fotografía y La Escritura Creativa.

Un espectáculo protagonizado por los talentosos alumnos de la Academia para el disfrute colectivo .

Dirigido por Lili Renteria, A&M’s Directora Artistica y Larry Villanueva, Director Departmento de Teatro.

VIERNES / DIC / 16 / 2011 @ 7:00 PM

Mid Term Arts Festival Friday DEC / 16 / 2011 @ 7:00 PM.

Expanding the realms of Creativity

The Academy 's multidisciplinary show brings together the best of each art form: Dance, Theatre, Music, Vocal Music, Visual Arts, Photography and Creative Writing and marks the first half of the 2011-2012 academic year.

A superb performance by the Academy’s very talented students to be enjoyed colectively.

Directed by Lili Renteria, A&M’s Artistic Director & Larry Villanueva, Director of Theater Department.

On The Plaza

Academy of Arts & Minds Charter High School

Ticket Cost: Adults $10 . Students $5

Tickets sold at the door!
For more information please call 305-448-1100
Hope to see you there!

Another Magazine: Marc by Marc Jacobs' models by Chadwick Tyler.

2011-12-01T06:00:00.001-05:00

WERNER HERZOG: "CAVE OF FORGOTTEN DREAMS".

2011-11-30T06:00:00.000-05:00

SHOWstudio: Dynamic Blooms by Nick Knight and Tell No One.

2011-11-29T15:56:00.001-05:00

"FOUR MINUTES, THIRTY-THREE SECONDS", CURATED BY OMAR LOPEZ-CHAHOUD.

2011-11-29T06:00:00.000-05:00

FOR IMMEDIATE RELEASE
LegalArt
1035 N Miami Ave
Miami, FL 33136
Contact: Dominique Breard
info@legalartmiami.org
786-347-2360
legalartmiami.org
Brunch Reception: December 2nd, 2011 9am- 1pm
Exhibition runs from November 30th to January 31st (Tuesday - Friday 12pm - 5pm)

LegalArt is proud to present "Four Minutes, Thirty-Three Seconds" an exhibition by visiting curator Omar Lopez-Chahoud inspired by the 1960's Fluxus Movement. This exhibition will take place on the 2nd and 4th floor of LegalArt, with a reception on December 2nd from 9am to 1pm at the time of LegalArt's "Art Basel Collector's Brunch".

"Four Minutes, Thirty-Three Seconds" revisits the liberated attitude towards the creative process that defines the Fluxus movement. This project coincides with significant exhibitions happening at MOMA, NY; the Grey Art Gallery; NYU and at the Storefront for Art and Architecture, in collaboration with Performa 2011. This leads us to reflect on the similar attitudes between Fluxus actionists and a younger generation of artists as well as the socio-economic context in which these responses arise.

The title of this exhibition makes reference to a piece by composer John Cage, a notable influence on the Fluxus work of Lithuanian-born artist George Maciunas. Maciunas (1931-1978) organized the first Fluxus event in 1961 at the AG Gallery in New York City and the first Fluxus festivals in Europe. The Fluxus art movement in the 1960's and 1970's was characterized by a strongly Dadaist attitude, promoting artistic experimentation mixed with social and political activism. Often celebrated anarchistic change, Fluxus members avoided any limiting art theories and spurned pure aesthetic objectives. Their activities resulted in events or situations often called Aktions (works challenging the definition of art) and included performances, guerilla or street theater and concerts of electronic music, many of them similar to what in America were known as Happenings.

In the spirit of the Fluxus tradition, Omar Lopez-Chahoud has invited local and international artists, collaboratives, situationists, and curators to present projects in the form of publications, events, discussions, performances, situations, and other actions. These groups and individuals will activate the space in a way similar to the Happenings of the Fluxus Movement, inspired by an anti-art and anti-consumer enthusiasm. Participants in this exhibition include: Augurari Editions, Rodolfo Andaur, Hackworth Ashley, Spring Break, Monserrat Rojas Corradi, Cat Dove, Viking Funeral, Andrea Galvani, Jay Hines, Scott Hug, Karlo Ibarra, Carlos Irijalba, Brookhart Jonquil, Jason Keeling, Kristin Korolowicz, Liz Magic Laser, Nicolas Lobo, Gean Moreno, Richard Mosse, Ernesto Oroza, Gaston Persico, Manny Prieres, Print and Paste Collective (FAU), Megan Riley, Tom Scicluna, Joaquin Segura, SOMA, Natika Soward, Lara Stein Pardo, Suzanne Stroebe, Third Streaming/Yona Baker, Cecilia Szalkowicz, TM Sisters, Pinar Yolacan and others.

Omar Lopez-Chahoud has made use of his LegalArt residency as a lab for ideas, strategies and questions that organically shape the content of this exhibition. This project, like Cage's composition, creates a potential space for creative energy and responses, facilitating a fertile dialog with the community outside of the traditional gallery venue. Publications produced by artists, curators, and art organizations will be available for research on the second floor of LegalArt. The exhibition continues on the fourth floor with multimedia installations and performances.

On December 2nd a series of panel discussions, performances and open studios will be taking place. See schedule below.

Second Floor:
11:00am Ernesto Oroza: "Architecture of Necessity" The panelist talks about how Cubans intervene in architecture out of necessity and everyday survival in Cuba.
12:00pm Rodolfo Andaur: "Local Reality as Memory Desertification, Contemporary Art in the North of Chile" The Chilean curator talks about the political and geographical impact of art in the North of Chile.

Third Floor:
9:00am - 1:00pm Art Basel Brunch Reception
9:00am - 1:00pm Open Residency Studios: Viking Funeral, Pachi Giustinian, Jiae Hwang, Brookhart Jonquil, Manny Prieres and TM Sisters

Fourth Floor:
Performance schedule TBA

DIOSAS HUNGARAS: ZAFIRA.

2011-11-27T06:00:00.000-05:00

WERNER HERZOG: "Cave of Forgotten Dreams".

2011-11-26T06:00:00.001-05:00

HERE MORE INFO ABOUT THE MOVIE.

INVENTORY SERIES 02:  SOUL DOES MATTER.

2011-11-24T18:02:00.001-05:00

INVENTORY SERIES 02:  SOUL DOES MATTER.
Curated by Thais Fontenelle
on view NOV 26 — DEC 4/2011 Vernissage Nov 26 7 — 11p
Buena Vista Bldg.  180 NE 39 Street, #120 Design District, Miami
The second installment of Inventory is now under way, bringing together a diverse group of designers to mutually explore similar ideas. This time around the unifying theme revolves around the interplay between the material and the intangible personality of design objects. Curated by Thais Fontenelle, Inventory 02 assembles a provocative group of designers exploring these themes in a collaborative setting.
Objects range from make shift creations inspired by ingenuity to highly aesthetic and decorative objects. Much like the world we live in, these objects reflect different viewpoints about common goals. The vastly disparate collection shares an enthusiasm for and a fidelity to intuition and inspiration.

DAVID CRONENBERG: "UN MÉTODO PELIGROSO".

2011-11-18T16:14:00.002-05:00

AQUI EN "LABUTACA.NET". David Cronenberg: «No soy una persona obsesiva».

D. P -TALENTO: TONINO DELLI COLLI.

2011-11-14T06:00:00.005-05:00

TONINO DELLI COLLI EN IMDB.

ABEL FERRARA: "4:44 LAST DAY ON EARTH".

2011-11-04T10:01:00.003-04:00

HERE IN "INDIEWIRE": First Look At Willem Dafoe In Abel Ferrara’s Latest “4:44 Last Day On Earth”.

HARMONY KORINE'S "SPRING BREAKERS".

2011-11-03T09:25:00.002-04:00

HERE IN "INSIDE MOVIES": Selena Gomez, Vanessa Hudgens, and Emma Roberts in talks to join James Franco in Harmony Korine's 'Spring Breakers'.

MOVIE SHOT ON IPHONE 4 BY PARK CHAN-WOOK.

2011-11-01T09:15:00.002-04:00

A movie shot entirely on an Apple iPhone 4 is on its way to theaters in South Korea.

Award-winning filmmaker Park Chan-wook has shot a 30-minute film, called "Night Fishing," using only an iPhone 4. The movie is about a man who goes fishing at night and finds a female shaman, according to Reuters.

"Night Fishing" was shot using up to 10 iPhones filming simultaneously from different angles. About $130,000 was spent making the movie.

In an interview with Reuters, Park said of the process: "There are many limits. ... However instead of complaining, it should be approached in a unique style that is intended for the movie. Then it can have better results than any other movies."

Park also said he hoped the movie would be a catalyst for young filmmakers to see smart phones as an artistic tool.

"Night Fishing" is set to open in nine South Korean theaters in late January.

Park is best known for his "Vengeance Trilogy" of films, which include "Sympathy for Mr. Vengeance," "Oldboy" and "Lady Vengeance."

"Oldboy" is a cult classic, and director Steven Spielberg and actor Will Smith were said to be mulling over a possible remake of the film. Park also is working on an English-language film.

Spike Jonze: Mourir Auprès de Toi.

2011-10-31T11:39:00.000-04:00

Spike Jonze: Mourir Auprès de Toi on Nowness.com.

TU PERFIDO ENEMIGO (EL TIEMPO) DE K.L.R.

2011-10-28T09:12:00.002-04:00

No es tu aliado, no
El corroe los cimientos de tu templo
El que erigiste a tu egoismo

No te engañes
No es cierto que te importen
Los daños a terceros

No es tu aliado
El no llenara tus carencias
Las que alimentas y odias
El no traera un milagro imprevisto
Que de el giro tan anciado

Dudaste de tantas certezas
Otras diste por sentado sin dudar

Ya no te esperan mis manos
Que se crispan de ausencias
Ni mis pechos
Como flor que cerro su corolla
Ni mi cuerpo
Desnudo de tus caricias

No, el no es tu aliado
Inexorable te enfrentara
Un dia, con lo perdido
En el punto justo donde claman
Los hijos que no me engendraste.

DIOSAS HUNGARAS: ANITA DARK.

2011-10-27T06:00:00.001-04:00

"BETWEEN HEAVEN AND HELL". CRISTINA GARCIA RODERO.

2011-10-26T19:02:00.002-04:00

BRUCE LABRUCE: 'THE ADVOCATE FOR FAGDOM'.

2011-10-26T09:42:00.003-04:00

HERE IN DAZED DIGITAL.

Filmmaker Angelique Bosio looks closer at the controversial artist in this documentary, featuring John Waters, Harmony Korine, Richard Kern and Gus Van Sant.

LUIS GUZMAN: How To Make It In America.

2011-10-25T11:25:00.000-04:00

CHLOE SEVIGNY: I WANTED TO TELL YOU.

2011-10-24T13:54:00.002-04:00

In AnOther Magazine | Doug Aitken on Black Mirror & Chloë Sevigny.

BUKOWSKI- BONO: "ROLL THE DICE".

2011-10-23T20:31:00.002-04:00

Si vas a intentarlo
ve hasta el final
de lo contrario no empieces siquiera
Tal vez suponga perder novias
esposas, familia, trabajo
y quizá la cabeza.
Tal vez suponga no comer durante
tres o cuatro días
Tal vez suponga el arte
en el banco de un parque
Tal vez suponga la cárcel
Tal vez suponga humillación
Tal vez suponga desdén, aislamiento
El aislamiento es el premio
Todo lo demás es para poner
a prueba tu resistencia,
tus auténticas ganas de hacerlo
y lo harás
A pesar del rechazo y
de las ínfimas probabilidades
y será mejor que cualquier cosa
que pudieras imaginar
Si vas a intentarlo,
ve hasta el final
No existe una sensación igual
Estarás sólo con los dioses
Y las noches arderán en llamas
Llevarás las riendas de la vida
hasta la risa perfecta
es por lo único que vale
la pena luchar.

D. P -TALENTO: CARLO DI PALMA.

2011-10-14T06:00:00.000-04:00

CARLO DI PALMA EN IMDB.

LARS VON TRIER NO VOLVERA A DAR ENTREVISTAS.

2011-10-12T06:52:00.003-04:00

El cineasta reacciona así tras el interrogatorio al que ha sido sometido por la policía danesa en relación a sus declaraciones sobre Hitler en el último festival de Cannes.

El realizador danés ha anunciado hoy que se abstendrá "de hacer cualquier afirmación pública y entrevistas", tras ser interrogado por la policía de su país en relación con unas polémicas declaraciones suyas en el último Festival de Cannes, donde afirmó que entendía a Hitler. "Me he dado cuenta de que no tengo la capacidad de expresarme sin que se me malinterprete", ha señalado, a través de un comunicado, el director ganador de la Palma de Oro por Bailar en la oscuridad.
Lars von Trier hirió muchas sensibilidades con sus controvertidas declaraciones en Cannes en las que señaló que comprendía con el "Hitler hombre", a pesar de sus históricas atrocidades. "Yo entiendo a Hitler aunque entiendo que hizo cosas equivocadas, por supuesto. Sólo estoy diciendo que entiendo al hombre, no es lo que llamaríamos un buen tipo pero siento un poco de compasión por él", aseguró tras presentar su filme Melancolía en la Croisette.
Hoy, según informa en el comunicado, fue interrogado a las dos de la tarde por la policía de la región danesa de Selandia del Norte por los cargos presentados por la acusación en Grasse (Francia) relativos a la posible violación de las leyes francesas, que prohíben toda justificación de los crímenes de guerra. Von Trier ya había emitido, cuando el festival lo nombró "persona non grata", un comunicado de disculpa en el que decía: "Si he herido a alguien con las palabras que dije esta mañana en la conferencia de prensa, me disculpo sinceramente. No soy antisemita ni tengo prejuicios raciales de ninguna clase ni soy un nazi".
Sin embargo, tras el suceso de hoy, el que fuera uno de los firmantes del movimiento Dogma 95 se ha dirigido a los medios por última vez para evitar futuros problemas con la justicia y volver a enfrentarse a lo que considera "acusaciones graves". Melancolía, que se estrenará en España el 4 de noviembre, acabó ganando el premio de interpretación femenina -para Kirsten Dunst- en Cannes y está programado en el Festival de Sitges que mañana comienza.

EFE - Madrid - 05/10/2011

PARK CHAN-WOOK: "JOINT SECURITY AREA".

2011-10-08T08:53:00.000-04:00

DAVID LYNCH Y HARMONY KORINE: CONFLUENCIA.

2011-10-02T06:00:00.000-04:00

David Lynch ha diseñado el interior del Club parisino "Silencio", encargo hecho por sus propietarios al cineasta motivados por el nombre del club que aparece en la película del propio Lynch "Mulholland drive" realizada en el 2001. Paradójicamente el ultimo trabajo de Harmony Korine “Snowballs” según algunos críticos muestra en determinados momentos ciertas reminiscencias del Lynch de “Blue velvet”. La premier de este cortometraje patrocinado por la casa de moda Proenza Schouler se realizó en el mencionado club “Silencio”. Confluencias de dos cineastas que rechazan la narrativa tradicional a través de personales obras pobladas de un universo alucinante, perturbador, de fuerte crítica social al “American way of life”.

AQUÍ: Sobre el diseño del club por David Lynch.

AQUÍ: Sobre la presentación de "Snow balls" de Harmony Korine en "Silencio".

"I'm 65 years old… they say that when men go into their 50s they dream of building gigantic towers to prove their virility. I have directed films, composed music, made all sorts of objects, works that had a beginning and an end. now i want to make something solid. first, I started
with painting."
"for the last three years I have been working in a lithographic studio in montparnasse that Picasso and Miró used, drawing on the same stones where they painted. then I started working on silencio, which has taken the last two years. looking at what we have done, I feel myself almost immortal.' - David Lynch told l'express (via the guardian)

En la foto mueble diseñado por Lynch para el club.

JONAS MEKAS. THE COLLECTOR.

2011-10-01T06:00:00.000-04:00

HERE IN "ANOTHER MAGAZINE".

HARMONY KORINE: "SNOWBALLS" FOR PROENZA SCHOULER.

2011-09-29T06:00:00.000-04:00

Harmony Korine’s latest project consists of a series of works for New York based womenswear and accessories designer Proenza Schouler. Entitled ‘Snowballs’, here is a short preview of what to expect for another compelling showing from the multi media artist.

HERE: VIDEOS AND POSTERS.

WHEN PATTI SMITH MET MICHAEL PITT.

2011-09-28T21:04:00.002-04:00

Hollywood heartthrob Michael Pitt stars on the cover of the autumn/winter 2011 issue of Another Man, photographed by Hedi Slimane and styled by Alister Mackie.

HERE IN "ANOTHER MAGAZINE".

DIOSAS HUNGARAS: TERA BOND.

2011-09-27T06:00:00.000-04:00

REPORTAJE AL PIE DE UN TEXTO BORRADO.

2011-09-26T20:42:00.002-04:00

Magdiel Aspillaga

Salto de la noche a las calles de alguna parte olvidada de esta ciudad que parece olvidada también y me encuentro un anciano tirado sobre un portal es idéntico a Bukowski, para mi que es Bukowski, me mira y levanta los brazos al aire desde su silla de ruedas y me grita – ¡palante mijo palante que la vida es linda!- y yo sigo de largo después de agradecerle y entro al tiempo que parece pasar obscenamente rápido mas obsceno que la guerra y los ejércitos, más rápido e imperceptible que el amor. Me corto la mano, me centro en mi día e indiscutiblemente comulgo con tu ausencia que es una ausencia portátil que la llevo a todos lados y la paro y me siento sobre ella y preparo delicados tragos anunciándome en ella con ella y nuevamente sobre ella. Me apago un cigarro en el paladar, trato de abrirme las muelas a ver si me queda algo de sensibilidad adentro –el route canal está perfecto- me dice mi dentista- no hay nervios no tienes porque sentir nada- y tiene razón no siento nada, posteo grises entrevistas a cineastas que me gustaron en otros tiempos, pero hoy a estas horas no llego a tiempo a donde iba. En la madrugada los establecimientos dicen OPEN en neones ridículos como para comenzar el día con engaño. Bukoswki no está, no estuvo, ese anciano no es Bukowski tu y yo lo sabemos no lo es, aunque tratemos de imaginar que somos un poco mas que el diminuto grano que significa la tierra en la ultima foto de la NASA. Del texto original solo me llegan pedazos inconexos, meteoritos dialecticos de otros pedazos de pensamientos que corrieron con el delirio de pensarte y mencionarte a toda hora y de chequear que esto realmente me esta pasando a mi y no a un personaje de mi próximo proyecto. Lo único permanente es mi sombra que te trae de vuelta en la profunda noche, allí donde las cacerolas son princesas. Siempre piensas que estas volando y que sobrevuelas como yo ahora todo este hábitat posible en derredor, como una foto vieja sacada de una revista ochentosa de la utópica Cuba de los 80, allí donde las aguas son mas salobres. Ahora vuelvo a pasar por la misma esquina, Bukowski no está, el solo piensa en la lluvia que anacrónicamente cae sobre nosotros tu no le temes a la lluvia, avanzas dispuesta porque eres madre y además una falsa trigueña y una mala rubia, sigo detenido en medio de una celda mientras otro hombre en la noche semejante abraza a una mujer y le dice su nombre con la suprema dulzura de la historia, una niña a mi regreso me saluda y yo vuelvo a vivir porque sí y porque la muerte no existe sino en las películas y las películas son para desafiar a la muerte y atraparla y dejarla encerrada mientras ella da alaridos feos. Empezó el otoño y a mi no parece importarme salvo por la ligera diferencia de haberte conocido y de tratar de divisar tu tamaño en la distancia donde te ubicas para que no calculen tu estatura real y hacer dietas que no son y convenios con tu eterno cigarro, por eso vuelas porque yo quiero y a veces soy Dios cuando el me deja su sombrero y su vara mágica y yo Mickey hago escobas inundaciones y escobas que llevan cubos con agua y todo se inunda para que nade Bukowski el anciano que se parece a Bukowski y la niña que me saluda, a toda velocidad por encima por debajo recupera tu sueño convénceme de que vale hacer un reportaje dictado a memoria por la memoria por otro tipo que lo escribió en momentos diferentes a la misma mujer que eres tu que eras otra, vaticinando los pedazos que voy a armar de mi mismo cuando el satélite que amenaza caiga sobre mi, sobre mi bus de la mañana sobre mis caminatas por entrecalles innombrables de lo que fueron ríos ocultos entre las malezas de un posible nocturno que arremete triste y duro. No pretendo llegar de la calle y que estés desnuda mirando lo que queda de tu cocina o como la música brasilera va a salir huyendo por la ventana y que llorosa te aprietes a mi y suceda un plano general en grúa y nos quedemos pequeños en la pantalla, un hombre vestido con algo de pena y una mujer desnuda que solloza. Solo quiero sentarme en la hierba de algún parque publico y mirarte muy arriba hecha papalote o chiringa o lo que sea que se empine con la idea triste y maldita en el fondo de que se vaya a bolina, de que te eleves por encima del humo y mas ligera que un comino hacia algo que puede ser mi pensamiento mi película mi secuencia, mi noche mi caza mi asedio mi obsesión o lo que quieras lo que me destines lo que nombres. Créeme, este texto iba a ser sobre las trilogías, sobre Park Chan Wook en esencia sobre el daño irreversible que me ha hecho el cine, pero no logre concretar una idea objetiva solo alucinaciones de mi mismo hecho otras personas en el pasado como si hubiera vivido muchas vidas, perdóname, perdona mi insistente manera de mirarte. Trato de armar libreros como para colgar la historia del cine y la literatura frente a mi, contar los segundos y acostarme temprano con el tonto pretexto de que tengo que levantarme al otro día, un intento de recuperar el apetito y de decirte que te extraño, en días como estos que pasan arbitrariamente sobre uno sin avisar no queda de otra que respirar frente al espejo y comprobar si existo, verme en tu imagen que se hizo a mi semejanza el séptimo día cuando yo quería descansar y cuando me dejaron y cuando todo era verde y cuando mire al sol y este se detuvo en Eboli y sobre el cenit. Las nubes y las aves te miran como un bicho raro y sin embargo se contagian de tu risa, de tu vientre nacen ideas personas y gente que se engancha, hasta perder el signo y la idea, la ruta fija convertida ahora en utopía rumbo a una América distante imprecisa que aun no tiene nombre mientras de los techos huyen los ratones que cruzan el tendido eléctrico de tu casa.

AKI KAURISMAKI EN SAN SEBASTIAN.

2011-09-26T06:00:00.000-04:00

AQUI: ENTREVISTA A KAURISMAKI EN "EL PAIS".

RIPSTEIN EN SAN SEBASTIAN.

2011-09-24T09:20:00.002-04:00

AQUI EN "EL PAIS". ENTREVISTA A ARTURO RIPSTEIN: 59ª edición del Festival de San Sebastián.

PEARL JAM- GO- VS.

2011-09-20T06:00:00.000-04:00

MAPA DEL CORAZON HUMANO.

2011-09-19T19:46:00.005-04:00

Magdiel Aspillaga

A Karina.

Primero me lanzaron desde el puente de mi madre al mundo y ahí apareciste tu, exactamente un día antes, la idea era inicialmente recorrer algunas boutiques de Hialeah y ponernos a mirar como las carreteras se nutren desiertas de rápidas nubes, de casas que se destarran contra el piso dejadas caer desde los cielos y peces que saltan de sus ríos a otros ríos como si se tratara del inicio de “My own private Idaho”. Tu estas hecha como de mucha gente que he conocido y como de mucha gente que estoy por conocer (es una sensación que tengo a veces) contabilizo cada segundo por cigarro que consumes y lanzo la vista con disimulo por encima de los apretados balcones de Coral Gables y un poco mas allá.
Estoy tratando de hacer otra película y me duele la espalda, subo al metro por la mañana, Miami es lindo desde el metro Miami es feo sin tu presencia adentro del mismo metro donde viajo como imbuido de todo el anagrama diabólico sublime que significa el cine, solo tu presente cuando eras joven y presente cuando eras adulta, me haces reír y eso es definitivo, mas presente de calor y de sonrisa, de algo que me sobrecoge de belleza cada vez que me mencionas entre la verdad de tu pelo insinuado en rubio y la medida profunda en tus caderas, la prolongación tranquila de tu mano a la mía y de ambas manos significando al tiempo. Tu me recuerdas la película “Map of the human heart”, elementos cursis y necesarios como que yo pudiera ser esquimal y tu una india, que puedo ser piloto aéreo a pesar de mi terror a los aviones, que si te pienso debajo de mi es obligatoriamente sobre un globo que si te pienso encima de mi es retirado a mi partida sobre un terrón de hielo bajo la nuca dispuesto a dirigirme a ese lugar donde van los pilotos aéreos y los esquimales y los dioses que no tienen nombres y la muchacha azul que le salió a Pinocho y todas las personas que son luces de tonos rojizos y naranjas y viven bajo el metro o el avión con el que sobrevuelo esta mañana. Miro a una anciana frente a mi que me mira mientras se convierte en una hormiga gigante como en “Old boy” y me saluda afablemente, y de que va todo sino de pensarte enfermizamente y por alguna extraña razón sin sentido posible, murmurar, sacar a pasearme a mi mismo por lugares que conozco de siempre y que seguiré reconociendo. Mudarse, herir, cantar, bañar, humear, sobrevolar seguir sobrevolando, de polo a polo y sobre cuando meridiano sea posible NW SW MW o cualquier otro acento a google earth. Suena un tecno en el horizonte se escapa de los audífonos de uno que va delante de mi, es casi un palimpsesto algo que se define inerme presente y a su vez invisible pero me hace recordarte y eso no es bueno y a la misma vez lo es demasiado. No tengo nieve sobre la que correr, no voy en tren voy en avión como diría el otro poeta (estamos rodeados) todo no es mas que una cuestión de mirarnos y reír, tus amigos caen desde el cielo, las monjas caen desde el cielo, Patrick Swayze y Keanu Reeve se tiran desde el cielo, yo miro abajo a ver si doy pie y me puedo tirar algún día.
Tu te pareces a una actriz que yo he visto y estoy loco por verte gritar, a veces sin razón y otras con mucha, por atarme al mineral de tu nariz y al perfecto conjunto que hace tu tamaño con mi ausente, que es un ausente de cartón con pedazos de aluminio como algunos aviones como algunos trenes. En la inmensidad de la noche y la ciudad un hombre simple duerme atado a las caderas de una mujer, buenos días buenas noches en este septiembre ardiente y taciturno.

Foto de Karina Geada.

VSEVOLOD PUDOVKIN. REVIEWS.

2011-09-18T06:00:00.000-04:00

AQUI ALGUNAS OPINIONES SOBRE EL FILME "LA MADRE" (1926) DE PUDOVKIN.

GENIALIDAD: "TRUE" DE TOM TWYKER.

2011-09-17T15:33:00.001-04:00

SERGUEI EINSESTEIN/ TEXTO.

2011-09-16T06:00:00.001-04:00

AQUI EL LIBRO DE DE SERGUEI M EINSESTEIN "PROBLEMAS DE LA COMPOSICION CINEMATOGRAFICA".

D. P -TALENTO: GREGG TOLAND.

2011-09-14T06:00:00.001-04:00

GREGG TOLAND EN IMDB.

ERNESTO OROZA: EL ESPACIO RELACIONAL DE TODAS LAS COSAS DEL MUNDO.

2011-09-14T01:15:00.003-04:00

AQUI: Articulo aparecido en el Nuevo Herald sobre una de las ultimas exposiciones de Ernesto Oroza. (Por Adriana Herrera)

‘Enemigo Provisional’ de Ernesto Oroza en Art@Work, 1245 SW 87 Ave. Hasta el 21 de septiembre. Charla del artista y visita guiada el jueves 15 a las 7 p.m.

MARC FORSTER / "WORLD WAR Z".

2011-09-12T06:00:00.000-04:00

Marc Forster Talks About the Realism and Social Commentary Behind ‘World War Z’

People are already ragging on World War Z, a movie over a year away.
Adaptation always requires changes, but a book like World War Z: An Oral History of the Zombie War requires many, many changes. The structure doesn’t lend itself to a big budgeted Hollywood film. Director Marc Forster, clearly, knows this. Instead of making a documentary zombie movie, it’s a Brad Pitt and his family trying to survive movie!

That’s not the World War Z fans know — and despite the current popular belief — that’s not the approach Forster is taking.

A few weeks ago I spoke with the filmmaker, and his zombie epic was briefly touched upon. The interview was for Machine Gun Preacher, so I didn’t set out to ask about WWZ. But after discussing a few different aesthetics he’s shot and trying to bring smarts to blockbuster filmmaking, his currently filming adaptation naturally came up.

Despite the narrative changes we all know about, Forster did set out to capture the spirit of the book, the political spirit:

“I think that’s the whole point of it. The book is not a narrative by any means, but that’s what I found in reading it: it can make for a political commentary within a genre picture.”

The director is also trying to set that commentary in a realistic world:

“You know, I want it all to feel very real. Zombies are a metaphor for human behavior. There’s so much interesting stuff happening in the world right now, and on a global scale of change. Not just in the Middle East, but a lot of other places, as well. I do think zombies are a great metaphor. In the 70s, zombies were very popular, and George Romero was making critical movies about consumerism. It’s a great metaphor to play with. If you make them a part of your environment, then the more people can identify that this could happen in the here and now.”

Make sure to check back in the next few weeks for our full interview, where Forster candidly discusses his filmography, working with actors, and Machine Gun Preacher.

Tomado de "Film school rejects"

CINEMA NOIR: "THE KILLING OF A CHINESE BOOKIE" DE JOHN CASSAVETES.

2011-09-10T06:00:00.000-04:00

Magdiel Aspillaga

En estos días siento que mi alma viaja por las tuberías del edificio envuelta en la dura cotidianidad de las múltiples familias que se disponen hogar por hogar a comenzar un nuevo día, el mismo gesto repetido universalmente a todo lo largo del universo, destino, designio o condena, difícil tal vez de clasificar pero indiscutiblemente parece que la rutina puede ser un buen calificativo a la hora de definir “humano” y no precisamente “demasiado humano”. The Criterion collection sacó hace algún tiempo ya, un box set dedicado al genial creador que fue John Cassavetes, influencia directa de un nuevo cine profundamente americano, independiente, libre, emotivo y también y si totalmente “humano demasiado humano” parafraseando un poco al filosofo genio de Basel. Esta colección trae títulos tan conocidos como su opera prima “Shadows”, “Woman under the influence”, “Opening night”, “Faces” y la atípica cinta de cine negro “The killing of a chinese bookie”, esta ultima quizás por ser desconocida para mi me resultó (como siempre me pasa con Cassavetes) de un impacto absoluto.
Inspirada en las cintas de gansters, “The killing...” retoma este cine de genero y lo trae nuevamente envuelto en los aires renovadores del cine de los 70 y de los cuestionamientos y conflictos internos que siguen siempre los personajes de Casavetes. El propietario de un strip club Cosmo Viteli interpretado por Ben Gazzara tiene una deuda con la mafia la cual le exige su pago con el asesinato de un Capo chino, Viteli se debate entre cometer el crimen y su conciencia moral. La película trae el machismo y la exposición de la masculinidad en un entorno social especifico como lo es el bajo mundo. En esta colección vienen los dos cortes de la película, el original que salió en el año 76 de 135 minutos la cual fue un total disgusto para las distribuidoras que solo la tuvieron siete días en cartelera, y también trae el corte del año 78 de 105 minutos que es la versión mas conocida, particularmente prefiero la versión original larga. La manera como Cassavetes asume el tiempo en este metraje es único. Su cine esta poblado de personajes marginales, mostrando la otra cara de la sociedad norteamericana. Este tempo se muestra en las secuencias extensivas sobre números musicales del strip club mostrando la decadencia de un show que pretende imitar a un cabaret parisino, o la secuencia dentro de un almacén donde siguen a Cosmo para matarlo, el realizador genialmente se recrea en un tranquilo seguimiento donde la violencia es tratada con una naturalidad desprovista de todo lo “explosivo” del usual show hollywoodense. Realizadores como Gus Van Sant o Harmony Korine tratan la realidad y la violencia desde el tiempo real de la vida, desde lo común y cercano que suelen ser fenómenos de este tipo en la sociedad actual, y con esta falta intencional de espectacularidad, los mismos en no pocas ocasiones ha declarado las notables influencias de John Casavetes. El cine de Cassavetes es de un naturalismo poético y de una fuerza expresiva sumamente originales dentro de la historia del cine, quizás solo comparada con la originalidad y poética de su contemporáneo brasilero Glauber Rocha. En “The killing of a chinese bookie” es a mi criterio donde su particular estilo tiene una máxima expresión. Su cine realizado al margen de los grandes estudios y financiado con su propio dinero es un testamento estético revolucionario cargado de una actualidad que sigue generando la misma polémica y el mismo espiritu renovador. Volcado a la cara oscura del hombre, una de las cosas que mas me hacen emocionarme ante su obra es la modestia y sencillez de un poeta que en este caso cuenta con la cámara como lenguaje y su propia alma de actor en el desarrollo de situaciones y estados emotivos que salen de cada uno de sus personajes e historias. La irrupción de Cassavetes en el Cine Noir puede ser materia prima para lingüistas y semiólogos, su entrada en el supuesto cine de genero y la apropiación del mismo desde su visión lo hacen un postmoderno donde su mayor elocuencia es ver a través de su sensibilidad lo que otros seres mortales no logramos ver. De esta angustia vive su obra, de este sentido humanista del final, de una trascendentalidad que se convierte en cotidiana, en usual, en imperceptible ante esa rutina que diariamente consume y define a todos los seres mortales que aun habitamos este tiempo.

AQUI: DVD Box Set de John Cassavetes en The Criterion Collection.

ENTREVISTA A ARMIN VAN BUUREN.

2011-09-09T06:00:00.000-04:00

RACHEL WEISZ.

2011-09-07T10:01:00.005-04:00

HERE: Extra | Coming Soon: AnOther Magazine Issue 21 featuring Rachel Weisz.

HERE: Rachel Weisz by Eric Guillemain in "Radiant" for Vs. Magazine Fall 2010.

My Own Private Idaho: Private Places.

2011-09-03T11:23:00.003-04:00

By Amy Taubin

It’s night in the desert. Mike (River Phoenix), a teenaged hustler given to bouts of narcolepsy, and Scott (Keanu Reeves), a slumming preppy prince, are huddled around a campfire. “I just want to kiss you, man,” says Mike softly. The words and the barely audible sound of his voice, caught between hope and despair, speak to anyone—forget about gender or sexual orientation—ever ripped apart by unrequited love. For all the flannel and Gor-Tex, the scene is a startlingly naked expression of lovelorn longing. Credit both Gus Van Sant, the director, and Phoenix, his perfect actor, with the heartbreak that floods My Own Private Idaho.

Released in 1991, Idaho was Van Sant’s third feature film and remains his most anarchic and, in many ways, ambitious. It’s certainly the film where his art school sensibility and the postmod-ernist aesthetics that dominated the art world during the seventies and eighties are most in play. Van Sant attended the Rhode Island School of Design from 1971 to 1975 (among his schoolmates were David Byrne and other members of the Talking Heads), shifting his focus from painting to film partway through his time there. The explosion of the sixties underground film scene was over, but Andy Warhol was still an influence, as were Kenneth Anger and other avant-garde film diarists who toted their 16mm and Super-8mm cameras everywhere. After a brief stab at working in the Hollywood film industry and a stint in advertising in New York, Van Sant made his first released feature, Mala Noche, in the early eighties, with roughly $20,000 of his own money. A gritty, lyrical black-and-white stunner about a gay skid-row store clerk’s obsession with a Mexican migrant worker, it caught the eye of some discerning Hollywood producers and led to his making his second, slightly more conventional feature, Drugstore Cowboy, starring Matt Dillon as the leader of a quartet of junkies who rob pharmacies to feed their habit. The toughness of both films, the director’s obvious empathy with alienated adolescents, and his talent for getting shockingly genuine perfor-mances from his actors helped him land the then teenage idols, Phoenix and Reeves, for My Own Private Idaho.

What is striking about Idaho today in light of Van Sant’s later films is its extraordinary hybridity. Where Elephant (2003), Gerry (2002), and Psycho (2000) are structured by a single daring formal device—the extended tracking shots in Elephant and Gerry; the shot-by-shot mimicry of Hitchcock’s original in Psycho—Idaho is a collage that includes even a kitchen sink and some Little Dutch Boy cleanser to scrub it down. Van Sant mixes and matches scenes of documentary-style realism with campy musical set pieces, improvised dialogue with bowdlerized Shakespeare, dream sequences shot in grainy Super-8mm with 35mm vistas of the Pacific Northwest, and, on the soundtrack, Rudy Vallee with The Pogues. The main source materials for Idaho’s screenplay were two completely separate scripts and a short story, all written by Van Sant. One of the scripts was a modern-day adaptation of Shakespeare’s Henry IV.

Van Sant ties these various elements together by filtering the entire narrative through Mike’s snoozing consciousness. The irony is that the narcoleptic Mike is among the most unconscious characters to ever hit the screen. Abandoned by his mother early in life, he was raised by his brutish brother/father (with echoes of Chinatown, although, since Mike’s origins are below the poverty line, his incestuous parentage is no Greek tragedy, just an extra oedipal wrinkle in an already disenfranchised existence). Mike’s narcolepsy is his defense against his childhood agony of abandonment. Anything that reminds him of his lost mother triggers a violent psychosomatic reaction. He shakes so violently he looks like he’s going to explode and then keels over in a stupor. Idaho’s fragmented editing style—its heterogeneous visual associations and dense layering of words, sounds, and music—and its split-second shifts between the burlesqued and the heartfelt, evoke Mike’s confusion of inside and outside, past and present, dreams and waking life.

The film opens on the road, for it is, above all, a road movie. It is the road onto which both Mike’s interior journey from fragile adolescence to precarious adulthood and his desultory attempts to find his missing mother are mapped. We look down a long stretch of two-lane highway, bisecting the desert scrubland, curving upward as it disappears into the distant mountain haze. Like a shot, Mike skids into view. His cheek, with its ragged blonde sideburn and faint tracing of acne, is disorientingly close. He looks down the road and decides he has been here before. “I know this road. It’s one kind of face. Like a fucked-up face,” he says, talking not entirely to himself but not quite to us either. Just in case we’re not yet in touch with Mike’s way of seeing, Van Sant helpfully irises down around the relevant features: the eyes are two bushes and the smile the shadow of a passing cloud. Suddenly, Mike collapses in the middle of the road. He dreams a faded home movie of himself as a child, safe in the arms of his mother, a blowzy strawberry blonde with a Mona Lisa smile seated on the porch of a wood-frame house. Clouds rush across the sky, salmon leap slo-mo up-river toward their spawning ground, and Mike wakes in a Seattle hotel room, being sucked off by a balding beer-bellied john. Mike reaches orgasm and a wooden barn comes crashing out of the sky, splintering onto the highway.

Having shown us something of Mike’s dreamy mindscape and the way he makes a living, Van Sant then introduces us to his social set and in particular to the object of his desire, Scott Favor. The son of the mayor, Scott is sowing his wild oats by hanging out with this group of homeless rent boys and turning the occasional trick himself. Scott is the film’s Prince Hal. Its Falstaff is Bob Pigeon (William Richert), a fat, beer-guzzling chicken hawk who’s got a thing for the narcissistic scion. Scott has also fallen into the habit of taking care of the vulnerable Mike.

It’s on a trip to find Mike’s mother that the two friends spend the night, like so many cowboy duos have done, huddled round the campfire. And Mike, more daring and desperate than those cowboys before him, risks, or perhaps courts, a repetition of his primal loss by confessing his love to Scott. When I interviewed Van Sant at the time of the film’s release, he said that he originally thought the scene would be much more casual. “The character of Mike was originally kind of asexual. Sex was something that he traded in, so he had no real sexual identity. But because he’s bored and they’re in the desert, he makes a pass at his friend. And it just sort of goes by, but his friend also notices that he needs something, he needs to be close, so he says we can be friends and he hugs him. That was all it was going to be. But River makes it more like he’s attracted to his friend, that he’s really in love with him. He made the whole character that way.”

Mike’s raw need is too much for the self-protective Scott to cope with. After a terrifying encounter with Mike’s alcoholic brother/father and an acrobatic bedroom threesome with Hans (Udo Kier)—the ubiqituous john who seems to have pursued them across several states—they wind up in Rome, where Scott, in a homophobic panic, falls in love, not with a French princess but with a mysterious Italian beauty.

Idaho juxtaposes the societal extremes of haves and have-nots. For the first time, Van Sant included a leading character whose upper-middle-class origins corresponded to his own. But unlike Van Sant, who for most of his career has stayed true to his own Americanized version of the “art film,” Scott betrays not only his friends but his own sexuality for money and power. The film climaxes with a double funeral. Scott’s two fathers—Mayor Favor and Bob Pigeon—have died one right after the other and are being buried in the same graveyard. The schizoid structure of the scene is, for once, not a projection of Mike’s fragmented psyche but rather a mini-allegory of the economic polarization of America that was already grotesquely evident during the Reagan–Bush I era and is even more pronounced today. Eyes front, spines stiffened, the properly heterosexual Favor clan, now led by Scott and his wife, is desperately trying to ignore the carnivalesque spectacle taking place a few hundred meters away. Mike and his fellow outcasts are furiously dancing on Bob Pigeon’s grave. One close-up is enough to suggest that Mike’s first eruption of anger is also his first taste of liberation.

Threaded with home movie images (no filmmaker has ever been better than Van Sant at forging and integrating them), My Own Private Idaho is a crazy quilt of family romances. Everybody is either looking for or escaping from their families, or organizing new families, or poring over photographs of other people’s families. In the campfire scene, Mike prefaces his confession of love with the agonized question, “Do you think I’d be different if I’d had a normal Dad?” “What’s a normal Dad?” shrugs Scott, the sophisticate. Something in the way he says “normal” recalls the moment in Kubrick’s Lolita—another absurdist road movie about impossible love—when Quilty (Peter Sellers), masquerading as a lonely policeman, terrorizes Humbert (James Mason), who has been passing off the underage Lo as his daughter. “I wish I had a normal, nice, little, normal daughter like that,” leers Sellers.

Deeply regressive, Mike’s desire is for the safety of the mother’s body. “Locked in the arms of love,” the last line of “Deep Night,” the Rudy Vallee recording heard several times during the film, is the last line on Idaho’s soundtrack, played over the closing credits. To what, then, does the film’s title refer? “My Own Private Idaho” is an imaginary place where one is locked in the arms of love—that is, both protected and free. It is the promise of America, chronically out of joint with reality, especially for its most vulnerable inhabitants. At the end of the film, Mike is once again alone, lying unconscious on the highway. The occupants of the first car that stops steal his shoes and leave. A second car pulls up, and the driver gets out, picks him up, deposits him in the back seat, and drives off. It’s the last we see of Mike. Throughout the scene, we hear the strains of “America, the Beautiful,” the anthem couched as a prayer for the inhabitants of this natural paradise of “purple mountains” and “fruited plain” to treat one another as brothers. Is it “brotherhood” that Mike finds or some darker fate? Given the temper of the times, the glimmer of hope in Van Sant’s open ending has all but faded away.

Tomado de www.criterion.com

ZOE SALDANA WILL PLAY GUARDIAN HALF-ANGEL OVER HER "DOMINION"

2011-08-31T19:47:00.003-04:00

Now that we’ve all ogled Zoe Saldana’s goodies in the exploitation schlockfest Colombiana, the actress can step off of the publicity circuit and start work on something new. What’s that going to be? I’m glad you asked. According to THR Saldana is moving on a project called Dominion that’s something of a supernatural thriller. It’s about a creature that is a hybrid of an angel and a human, and Saldana seems to be perfect for the role because, well, she’s really pretty. Some might say angelic.

It’s coming from a pitch by Dean McCreary and Chester Hastings, a relatively new-on-the-scene writing team who have credits in two upcoming films, one a familiar sounding thriller called You’re My Angel, and the other a film about a video store clerk who worships Sam Raimi called Fanboy.

In a first for Saldana, this job will force her to rely on a bit more than her looks and her acting chops. She’s going to have to do some decision making as well, because this time she has a producing credit. It’s always tough to predict exactly what somebody who is being called a producer will be doing, or how much say they will have over a film, but this hints at the fact that the actress is looking to take more control over the projects she’s working on. It looks like after being a part of a couple of blockbuster franchises-to-be in Avatar and Star Trek, Saldana is becoming something of a celebrity. Hopefully she makes wise decisions from here on out, because Colombiana was pretty bad. Maybe if she was a producer on that she could have ordered another rewrite.

Eclipse Series 28: The Warped World of Koreyoshi Kurahara

2011-08-25T06:00:00.000-04:00

The films of Japanese director Koreyoshi Kurahara will shake you up. Made during the most radical era of his country’s cinema, when exciting new directors were breaking the rules in order to appeal to a newly exploitable youth market, the five films in our new Eclipse series The Warped World of Koreyoshi Kurahara are breathless, headlong rushes into crime and jazz—above all, into feeling. In this collection of rarities, never before on DVD in the U.S., you’ll see visually audacious films about juvenile delinquents; a highly unorthodox romance about a celebrity on the run; one heck of a clever heist plot; and a thrillingly lurid adaptation of a Mishima novel.